Obosită să fie curată de critici, teoreticieni și alte persoane aproape arhitecturale, Bienala la 10 ani după Massimiliano Fuksas s-a încredințat din nou în mâinile unui arhitect. Kazuyo Sejima este un renumit arhitect japonez, unul dintre fondatorii biroului de arhitectură SANAA, autorul clădirilor mai multor mari muzee, inclusiv New Museum din New York, precum și Serpentine Gallery Pavilion 2009, câștigător al Premiului de Aur 2004 Lion, care a primit premiul Pritzker la scurt timp după numirea sa în calitate de curator al Bienalei. Este, de asemenea, prima femeie curatoare din istoria expoziției. Dar principalul lucru, potrivit directorului bienalei, Paolo Baratta, este că este un arhitect practicant. Sejima reflectă acest lucru în mesajul său curatorial, care începe cu „Bienala din 2010 va fi o reflecție asupra arhitecturii”.
Spre deosebire de motto-ul nedumeritor „dincolo de construcție” al predecesorului său, curatorul Aaron Betsky în 2008, pe care jumătate dintre participanți nu l-au putut înțelege cu adevărat, iar cealaltă jumătate l-a ignorat, anul acesta Kazuyo Sejima a propus un slogan simplu și accesibil: „Oamenii se întâlnesc în arhitectură care nu este deosebit de obligatorie. Este evident că două lucruri sunt unite în ea - arhitectura, la care, aparent, Bienala intenționează serios să se întoarcă și plus arhitecturii un fel de notă sociologică subtilă, pentru o schimbare. La urma urmei, este imposibil să absolutizezi complet subiectul principal al expoziției; ceva ar trebui adăugat la aceasta. Arhitectură pentru ceva, dar construiesc, de exemplu, astfel încât oamenii să se întâlnească acolo. De aici este o cale directă către clădirile publice care împodobesc atât de bine portofoliul curatorului. În plus față de motto-ul, Sejima a subliniat mai multe semnificații suplimentare: accentul expoziției este reacția arhitecturii moderne la schimbările aduse de secolul 21, la informatizare și globalizare; limitele pe care arhitectura le denotează sau le șterge; și calitatea arhitecturii construite - adaugă Paolo Baratta în mesajul său. Astfel, după o lungă căutare a adevărului „pe lateral”, principala expoziție arhitecturală a lumii (și Bienala de la Veneția, desigur, este așa) se va întoarce la subiectul său principal, ghidat de o mână de femeie moale și discretă.. Expoziția curatorială are un total de 48 de participanți, incluzând nu numai arhitecți, ci și firme de inginerie.
În ceea ce privește expunerea curatorială principală, care la Bienală se desfășoară întotdeauna în clădirea Corderie Arsenal, Sejima a declarat libertatea participanților, spunând în manifest că fiecare participant va fi „propriul său curator” în cadrul fragmentului „independent” al arsenalului. interior care i-a fost atribuit. Diversitatea este mai bună decât voința unificatoare, spune curatorul; într-un cuvânt, fă ce vrei … Libertate deplină; deși, mergând prin expoziție, înțelegeți că acest lucru nu este pe deplin adevărat.
Un vizitator care intră în prima sală a părții curatoriale a Bienalei este întâmpinat de o inimă gigantică din piatră tăiată de un topor de lemn - toporul, la o examinare mai atentă, se dovedește a fi un refugiu cu un coș de fum în sus, o metaforă a tragediei al recentului cutremur chilian (o poveste detaliată despre recuperarea după dezastru poate fi găsită mai departe, pe expoziția spațială Arsenal a pavilionului chilian). Acum doi ani, expoziția Arsenal a fost deschisă printr-o instalație amuzantă de film și video; spre deosebire de amintirea ei, inima pietrei este foarte mare, aspră și serioasă. Acesta este un fel de obiect gigantic, alături de el te simți ca într-o peșteră de canibal și te conectezi, inevitabil, serios. Stâlpii Arsenalului încep să pară coloane ale unei bazilici romanice și, în general, similitudinea acestui faimos spațiu expozițional cu un templu este cumva exacerbată. Este posibil ca asta să fi fost intenționat.
Imediat în spatele toporului de piatră se află o sală de cinema compactă cu un film de Wim Wenders, care poate fi parcurs rapid pentru a face cunoștință cu un subiect și mai mare de la Ensamble Studio și șeful său Anton García-Abril. Trecând sub rândurile de coloane și blocând calea dreaptă, două grinzi gigantice I se sprijină în spațiul holului, similar cu șinele și judecând după culoarea lor gri, cel mai probabil beton. O grindă gigantică se află pe cealaltă, iar capătul său liber se sprijină pe un izvor la fel de înalt ca un om obișnuit. Primăvara, desigur, nu suportă cu adevărat nimic, copiii se joacă cu el, dar arată foarte impresionant. Aceasta nu poate fi numită „primăvară”; și dacă chiar în prima sală scara obiectului sculptural plasat acolo corespundea cu dimensiunea interiorului, atunci acesta pare a fi prea mare chiar și pentru un interior de arsenal, îl depășește și chiar îl suprimă puțin.
Dintr-o creștere atât de progresivă, te gândești involuntar - Doamne, ce se va întâmpla în continuare. Dar apoi ne găsim într-un nor („mărime naturală” - așa cum se menționează în manifestul curatorial), construit împreună de arhitectul japonez Tetsuo Kondo și inginerul Matthias Schuler de la compania germană Transsolar, specializat în ingineria climei (cunoscând specificul companiei, este ușor de ghicit de ce norul; controlul climatului s-a strecurat în Arsenal și și-a aranjat propria vreme …). Sala este umplută cu o ceață albicioasă, care este pompată prin găurile din perete de instalații speciale. Ceața se răspândește la nivelul galeriilor, iar o structură elicoidală este construită în mijloc, urcând de-a lungul căreia puteți trece prin nor și uitați-l de sus. Norul se răspândește în bucăți stratificate, este înfundat deasupra, ca într-o baie, dar efectul este minunat. Adevărat, moscoviții au experimentat un efect similar încă din august, odată cu sosirea fumului în oraș; în Arsenal, însă, acest nor este mai gros, aparent sigur.
Curatorul interpretează munca comună a compatriotului său și a unui inginer german astfel: ne împinge spre o nouă înțelegere a spațiului, chiar dacă limitele norului sunt neclare. Limitele, într-adevăr, sunt neclare, deși sunt închise în cadrul sălii. Scufundarea în ceață este distractivă; dar este imposibil să nu ne amintim de ceea ce au făcut deja norii - în primul rând, faimoșii arhitecți-artiști Elizabeth Diller și Ricardo Scofidio. Poate de aceea curatorul notează delicat în mesajul său: nu toate instalațiile sunt originale în ceea ce privește stilul, dar multe reprezintă vârful tehnologiei moderne.
Studioul indian Mumbai a realizat următoarea sală mare cu resturi de modele din lemn și a agățat ventilatoare clasice cu trei lame de tavan, transformându-l într-un "atelier" - totuși, pentru un spațiu atât de mare, lucrurile încă nu sunt suficiente, nu apare iluzia de-a dreptul a blocajelor artistice; s-a dovedit, în comparație cu primele instalații, mic, dar confortabil.
R & Sie (n), firma de arhitectură pariziană François Roche și Stéphane Laveau, care au prezentat acum doi ani modele albe de clădiri de sculptură bionică în Pavilionul italian, au lansat una dintre creaturile lor bizare în camera Arsenal, transformându-l într-o masă pe picioare. Pe de o parte, această fiară marțiană este acoperită cu creșteri de sticlă, strălucind cu o lumină verzuie, monitoarele încolțesc din capătul opus, în mijloc, deasupra unei bucăți din niște pseudo-minerale multicolore, un dispozitiv similar cu un contor Geiger. În explicație, autorii își amintesc de „Stalker” al lui Tarkovsky și vorbesc despre granițele realizărilor civilizației - probabil, această instalație ar trebui să răspundă tezei curatorului despre „granițe”. Pentru că, spre deosebire de vecinii săi, nu afectează spațiul în niciun fel; mai degrabă ne arată un locuitor exotic care trăiește înăuntru.
Dar sala Olafur Eliasson este foarte eficientă: în întuneric, trei furtunuri sunt suspendate de tavan, care se împrăștie în jurul jeturilor fanteziste de apă care se zvârcolesc, care se disting prin strălucirile nervoase ale luminii stroboscopice. Dușul exotic este fascinant, dar greu de fotografiat. Trebuie să spun că cuvintele lui Sejima că multe imagini nu vor fi noi sunt sincer adevărate - Eliasson a făcut primul duș similar în 1996.
Mai departe - din nou ușor, un cadru de lemn al unei cupole plate de la un birou chinezesc cu numele francez Amator (care înseamnă amator). Într-adevăr, era ca și cum amatorii ar fi răsucit aceste matrițe împreună cu șuruburi; însă însăși abilitatea de a trece granița domului unde este de obicei imposibil să o treci și să „intrăm literalmente în dom” este destul de curioasă (din nou, granițele).
La această linie, trebuie să adăugăm Jeanette Cardiff Music Hall, unde difuzoarele sunt așezate într-un cerc, iar în centru sunt scaune pentru ascultarea muzicii (volumetrice? Arhitecturale?) Rezultate. Iar trusa va fi completă. Iată doar un set de ce?
Arhitectura promisă din ea, la prima vedere, pare să nu fie suficientă. Adică, se găsesc, desigur, machete tradiționale și tablete într-o succesiune comună: cel mai vizibil pentru ochiul rus este proiectul de concurs al clădirii Muzeului Perm de la Valerio Oljati, cel mai vizibil pentru ochi în general este Opera Taichung proiect de la Toyo Ito. Această clădire, care arată ca un mic fragment sculptat dintr-o movilă foarte mare de termite (China, la urma urmei), este prezentată cu detalii minuțioase și furnizată cu documentație completă așezată pe mese sub formă de albume groase în limba autorului. Dar proiectul prezentat în detaliu este o excepție și, eventual, o consecință a libertății declarate de curator. În plus, expoziția Arsenalului este formată din instalații, nu întotdeauna realizate de arhitecți, ci, după cum vedem, de ingineri și, mai des, de artiști care lucrează profesional și bine în acest gen. De exemplu, Olafur Eliasson - în portofoliul său există multe instalații bune și diferite, de obicei la scară largă (există, de altfel, mai mulți „nori” acolo, Dealer și Scofidio nu sunt singurii din acest gen). Matthias Schuler este inginer. Adică, expoziția curatorială de la Arsenal nu a devenit în niciun caz o expoziție de arhitecți.
Aceasta nu înseamnă că nu există arhitectură în ea. Mi se pare că, fiind autorul spațiilor muzeale, Kazuo Sejima a transformat întreaga expoziție în arhitectură în ansamblu: nu a conceput-o ca designer și nici nu a compus-o ca curator, ci a construit-o, combinând majoritatea instalațiile într-un lanț în care fiecare participant oferă propriul său mod de a înțelege artistic spațiul Arsenalului. Astfel, Arsenalul în sine a devenit expoziția principală. Și trebuie să spun că atitudinea față de acest spațiu expozițional este paradoxală - toată lumea îl iubește foarte mult, dar organizând expoziții în el, îi acordă puțină atenție, plasând pur și simplu ceva înăuntru. Arsenalul este, probabil, jignit de un asemenea dispreț, arată sumbru și presează audiența cu scară. Dar este bun în el însuși și este frumos că noul curator a observat acest lucru.
În acest caz, expoziția curatorială nu prezintă atât de mult arhitectură pe cât este ea însăși. Iar trecerea prin expoziție devine nu citire, nu contemplare și nu privire, ci - scufundare în arhitectură (deci scufundată într-o limbă străină). Iar participanții la expoziție, artiști și ingineri „presupuși liberi”, au devenit pentru Sejima mijlocul de înțelegere arhitecturală a spațiului Arsenalului. Ceea ce, apropo, este adevărat dacă ne amintim că arhitectura este arta principală, iar restul o ascultau odată. Iată un curator de la SANAA și i-a supus pe toți, dar foarte, foarte discret. Ea nu a aranjat expunerea în interior, ci a umplut spațiul cu conținut. Interiorul Arsenalului, ca și cum ar fi reciprocat-o, s-a alăturat rolului „exponatului principal” și a devenit mai plăcut. În orice caz, acum vreau să mă uit la el și trecerea lungă prin Arsenal de data aceasta nu este la fel de obositoare ca acum doi ani.
Poate că acest lucru se datorează faptului că are o mulțime de goluri și nu prea mult conținut - o formă solidă și chiar acea greutate, japoneză-sintoistă: lumină, întuneric (împletite în interior ca yin și yang), piatră, nor, apă, sunet … Puteți spune chiar că Sejima a aranjat o serie de reproduceri ale instalațiilor deja cunoscute la Arsenal, folosindu-le ca mijloc pentru ca un arhitect să lucreze cu elemente evazive, pentru a surprinde evazivul, strălucirea, umbra - lucruri în care cultura japoneză este atât de puternic. Merită să te simți la Arsenal.
Ca o piesă întreagă și o reflecție asupra elementelor principale, expoziția este bine primită. Cuvintele, însă, lipsesc puțin; există unele cheie - precum spațiul și granița, despre care Sejima vorbește constant, inclusiv la conferința de presă de ieri. Toate celelalte cuvinte sunt colectate în „locuri strict desemnate”; Arsenal are o sală de interviuri plină cu scaune și monitoare cu căști - iubitorii de cuvinte se pot bucura de discursuri acolo foarte mult timp, lista vorbitorilor ocupă un întreg perete.
Pe scurt, expoziția curatorială de la Arsenal pare să fie corectă pentru a percepe ca o altă operă arhitecturală a SANAA.
În caz contrar, structura expoziției, familiară pentru mulți, a rămas neschimbată. Expoziție curatorială la Arsenal, în fostul „pavilion al Italiei”, redenumit Palazzo Espozicione (Palatul Expozițiilor); expoziții de pavilioane naționale în Giardini și un „program paralel” în oraș. Actuala Bienală este într-o oarecare măsură un jubileu - au trecut 35 de ani de la prima expoziție de arhitectură din ciclul Bienalei de la Veneția. De aici și evenimentele aniversare și amintirile bienalelor trecute. În Sala Coloanelor din Palazzo Justinian (palatul unde se află sediul comitetului organizatoric al Bienalei), s-a deschis ieri o expoziție despre istoria ultimilor 11 ani a Bienalei de la Veneția, un fel de raport despre realizările economia expozițională venețiană; găzduiește, de asemenea, expoziția LUMA, prezentând „programul de arhitectură pentru un nou model cultural” al lui Frank Gehry.
O altă parte a programului aniversar al Bienalei va fi „Sâmbătă arhitecturală” - așa cum se spune în comunicatul de presă al organizatorilor, timp de trei luni sâmbăta la Veneția vor avea loc întâlniri cu personalități importante ale expozițiilor anterioare, inclusiv curatori ai Bienalelor anterioare. Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Ne propunem să publicăm treptat rapoarte mai detaliate despre expozițiile și evenimentele Bienalei. Expoziția se va desfășura până pe 21 noiembrie.