Cea mai neobișnuită mișcare a fost inventată de croați și este extrem de regretabil că nu a funcționat. 14 arhitecți proeminenți - inclusiv Sasha Begović, Pero Vuković, Marko Dabrović - au fost însărcinați cu proiectarea pavilionului plutitor: rezultatul a fost o structură de 30 de tone de plasă de sârmă Q-385, a cărei structură complexă este vizibilă doar la lumină. A fost construit pe o barjă și trimis pe el la Veneția, unde trebuia să fie în zilele de deschidere.
Din păcate, în timpul călătoriei prin Marea Adriatică, pavilionul s-a prăbușit parțial, așa că la sosirea în Italia, a fost trimis înapoi aproape imediat. Drept urmare, vizitatorii au trebuit să se mulțumească cu o mică expoziție croată la Arsenal, povestind despre acest proiect minunat. Cu toate acestea, organizatorii promit să se întoarcă la Veneția cu pavilionul restaurat: la urma urmei, mai este timp - Bienala va dura până la sfârșitul toamnei.
Participanții belgieni și-au dedicat expunerea la tema uzurii în arhitectură și design interior: materiale, articole de uz casnic, diverse accesorii. Urmele lăsate mult timp de utilizarea multor oameni dau spațiului o umanitate și îl fac unic. Curatorii au aranjat bucăți de covor, placaj, balustrade de scări, covoare de cauciuc în interiorul minimalist al pavilionului lor ca exponate care necesită o atenție respectuoasă: ca rezultat, asemănarea izbitoare a expoziției cu un muzeu de artă modernă a devenit evidentă - un fel de secundă strat semantic în planul organizatorilor.
Cu toate acestea, chiar și fără arta pseudo-reală, au existat mulți participanți „artistici” la bienala de arhitectură. Acest lucru este valabil mai ales pentru pavilionul din RPC, unde o „întâlnire în arhitectură” a fost interpretată ca o „dată de afaceri” între oameni cu nevoile, aspirațiile și dorințele lor și clădirile care influențează comportamentul uman prin programul lor funcțional.
În ciuda unei mici secțiuni dedicate spațiilor și proiectelor, sculpturile și instalațiile au ocupat locul principal, inclusiv cele create de arhitectul Pei Zhu. Cea mai spectaculoasă dintre acestea a fost lucrarea „Perete / Vânt” de Fan Yue și Wang Chao Ge cu păsări din plastic transparent care fluturau peste „cortina de aer”.
În pavilionul Egiptului, în ciuda participării nominale a arhitecților, locul principal a fost ocupat de o imensă instalație aurie, care arată ca un val de mare, acoperit cu scriere arabă și acoperă o figură asemănătoare unei mumii. A fost completată de artă video și pictură. Tema expoziției a fost „Mântuirea”, înțeleasă ca interacțiune cu textul sacru.
Participanții polonezi au prezentat un proiect la fel de conceptual - „Ieșire de urgență”. Această construcție iluminată la neon și scufundată în ceață artificială („nori”) a cuștilor, concepută de curatorii pavilionului, ar trebui să servească drept simbol al spațiilor urbane „nesigure”, unde o persoană depășește domeniul de acțiune al regulilor și interdicțiilor. reglându-i bunăstarea. Pot fi ruine, acoperișuri, piețe negre - potențiale locuri de accidente și chiar catastrofe, dar și un teritoriu al libertății.
Autorii expoziției Pavilionului Luxemburg s-au orientat către conceptele metafizice care definesc viața unui arhitect și creațiile sale: fragilitatea (notată cu un kettlebell și o vază de sticlă), rutina vieții de zi cu zi (multe căni de cafea cu o bucată de zahăr atârnând peste fiecare dintre ele) și valoarea sa evazivă (salon confortabil, unde vizitatorii pot comunica), precum și societatea de consum, mediul cultural și multe altele.
Cu toate acestea, curatorii, spre deosebire de mulți dintre colegii lor din alte țări, declară în mod deschis că aceasta nu este o expoziție de arhitectură.
Dimpotrivă, la o examinare mai atentă, expunerea pavilionului sloven, dedicat lucrărilor a două birouri de peisaj, AKKA și studiobotas, se dovedește a fi destul de arhitecturală. Cu toate acestea, informații detaliate despre acestea, precum și numeroase eseuri despre întâlnirea orașului, omului și naturii (expoziția se numește „Toate nuanțele de verde”), discuții despre calitatea și esența spațiului, intercalate cu fotografii frumoase de Peter Koštrun și citate din Marguerite Jursenar, Gabriel García Márquez, Alexander Calder - toate acestea pot fi găsite doar pe paginile catalogului. Doar o mică parte a pavilionului se încadrează în spațiile modeste și arată mai mult ca un set de obiecte de artă decât o expoziție arhitecturală de modele și planuri. Curatorii ciprioți s-au arătat, de asemenea, foarte interesați să se joace cu imagini arhitecturale familiare: au „lipit” panorame care nu existau în realitate din fotografiile clădirilor din ultimii ani. Așezate în casete de lumină, aceste imagini sunt interpretate de autori ca un „lungmetraj arhitectural”. În acest caz, vorbim nu numai despre întâlnirea privitorului cu arhitectura și vizitatorii reciproci, ci și despre o „întâlnire” neașteptată a diferitelor clădiri în spațiul unei fotografii „false”.
În timp ce mulți dintre participanții la Bienală s-au orientat - în locul sau alături de arhitectură - către artele vizuale, Pavilionul Uruguay are mai mult de-a face cu literatura. Expoziția sa „5 etaje, 5 clădiri” este dedicată a 5 clădiri iconice din secolele XIX-XX, și anume: un baraj, un masacru, o clădire rezidențială din Montevideo, care timp de 7 ani a fost cea mai înaltă clădire din America Latină, stadionul a primului campionat mondial de fotbal și una dintre primele clădiri moderniste din Uruguay. Acestea sunt prezentate sub formă de poezii dedicate acestora, citate de la oameni de seamă etc., precum și sub formă de scurtmetraje. Cu toate acestea, locul central din cameră este ocupat de un covor realizat din pielea unei vaci alb-negru, o copie a covorului donat lui Le Corbusier în 1929 de Victoria Ocampo în timpul vizitei sale la Buenos Aires și înlocuită pe măsură ce se uzează cu altul trimis de ceilalți prieteni ai săi din Argentina. Acest covor, a cărui istorie este expusă sub forma unor citate din scrisorile marelui arhitect, încheie expoziția ca „un loc pentru a nu face nimic”.
Portugalia s-a bazat în totalitate pe puterea cinematografiei. Patru regizori regizați pentru Bienală pe baza unui scurtmetraj despre o clădire rezidențială de unul dintre cei patru autori: Álvaro Siza Vieira, Bureau Manuel și Francisco Aires Mateus, João Luís Carrillo da Graça (Carrão da Luís) și Ricardo Bak Gordon. Toate acestea sunt clădiri complet diferite: trei dintre ele sunt reședințe private în oraș și în mediul rural, a patra este o locuință socială, construită de Siza în anii 1970 și extinsă acum câțiva ani, astfel încât poveștile despre ele s-au dovedit a fi complet diferite. Ceea ce atrage cel mai mult este filmul despre „vila” de pe litoral a lui Ayres Mateusha, format din patru case primitive cu podele de nisip: povestește despre un tânăr care ajunge acolo într-o seară de vară în mașina unui rezident local, iar apoi îl invită pe acest bătrân să ia cina acasă; banda se termină cu o vedere a cerului apusului și a sunetelor unui acordeon. Poate că acesta este unul dintre cele mai reușite exemple de transfer al unei imagini arhitecturale pe parcursul Bienalei. Dar dacă vorbim despre succese, este necesar să spunem despre eșecuri: expunerea națională a Iranului, care anul acesta participă pentru prima dată la Bienala de la Veneția, provoacă dezamăgire. Este dedicat artei de grădinărit și constă dintr-un număr mic de fotografii de calitate scăzută ale celor mai bune grădini iraniene medievale, completate de o instalație primitivă pe tema unei grădini arhetipale.
Pavilionul scandinav lasă o impresie ambiguă: este parțial dedicat problemei spațiului public (pe pereți sunt așezate tablete cu cele mai bune proiecte naționale selectate de muzeele de arhitectură din Finlanda, Norvegia și Suedia), dar sala nu este în esență ocupată cu orice altceva.
Douăsprezece ateliere de start-up din trei țări vor lucra la rândul lor, fiecare dintre ele își va crea propriul spațiu pentru creativitate acolo.
Participanții irlandezi au pregătit o expoziție nu în întregime practică și vizuală, dar fără îndoială elegantă: au arătat la Veneția arhiva onoratului birou de Blacam și Meagher sub formă de exemplare în format mare de 9.000 de coli, colectate în cinci grămezi uriașe din interior. a Bisericii San Gallo, lângă St. … Vizitatorii își pot lua foile preferate cu ele, rostogolindu-le într-o rolă și asigurându-le cu un inel special pregătit. Această instalație, mai degrabă decât o expoziție, întruchipează ideea unei arhive și rolul acesteia în opera unui arhitect.
Pavilioanele SUA și Hong Kong par puțin cam haotice. Primul este mai organizat: arată, folosind exemplul a 7 ateliere, diferite metode de lucru în spațiul urban, care sunt unite prin practic și chiar pragmatism. Sunt birouri foarte diferite: de exemplu, constructorii de hoteluri John Portman & Associates - și aproape teoreticienii Terreform, așa că pare puțin exagerat să le combinați într-o singură expoziție.
Expoziția din Hong Kong este situată chiar vizavi de intrarea în Arsenal. Numele său sună fără ambiguitate: Architetture quotidiane: Hong Kong a Venezia. Acest lucru se traduce aproximativ ca „arhitectură de zi cu zi”; în versiunea engleză, arhitectura este plurală și poate fi înțeleasă ca „viața de zi cu zi a diferitelor arhitecturi”. Pavilionul conține până la 12 proiecte, împărțite în sectoare funcționale (educație, îmbrăcăminte, alimentație, recreere etc.). A treisprezecea parte este cea mai sonoră: proiectele de concurs pentru districtul cultural West Kowloon, dezvoltate de Rem Koolhaas, Norman Foster și Rocco Im.
Unele părți ale expoziției sunt foarte reușite, cum ar fi un colaj foto cu multe imagini de apartamente tipice din Hong Kong, izbitoare în aglomerația lor și dezordinea rezultată, sau combinația de fotografii și planuri într-un proiect dedicat „ecologiei urban-rurale”, dar altfel dintr-o astfel de „plenitudine” excesivă, expunerea își pierde semnificativ sensul.
