Noul site al Muzeului de Artă Contemporană al Garajului a fost deschis publicului pe 12 iunie: să ne reamintim că acesta este restaurantul sovietic reconstruit Vremena Goda. Vorbind reporterilor cu două zile mai devreme, fondatorul OMA, Rem Koolhaas, a menționat că acest proiect a avut o semnificație specială pentru el încă de la început. De ce a spus asta? Deoarece a început cu o călătorie la Moscova la mijlocul anilor șaizeci, a început interesul său pentru arhitectură? Sau pentru că în cele din urmă a reușit să construiască ceva în Rusia? Sau este doar politețe? În căutarea unui răspuns la această întrebare, să apelăm la portofoliul OMA.
Koolhaas are relativ puține proiecte de muzeu finalizate - opt sau nouă (este dificil de determinat mai precis, deoarece Garage și Fundația Prada sunt încă listate pe site-ul OMA printre cei în construcție, iar printre muzeele construite se numără, de exemplu, Museumpark în Rotterdam, care nu este un muzeu în sine).
Prima clădire a muzeului proiectată de OMA a fost Kunsthal, care a fost deschisă în 1992 în orașul natal din Koolhaas, Rotterdam. La prima vedere, Kunsthal este mult mai complex decât „Garajul”: are o suprafață de o dată și jumătate mai mare, fațadele sale sunt mai variate, iar în interior sunt podele complet înclinate și găuri de formă neregulată în pereți și tavan.
Dar de aici încep asemănările. Ambele clădiri pot fi numite „muzee fără colecție” - Kunsthal se numește atât de aproape oficial, în timp ce „Garaj” are propria colecție tocmai în curs de formare. În același timp, spațiile interioare destinate expozițiilor din ambele clădiri nu pot fi numite în niciun caz neutre. Au o formă foarte diferită, uneori tavanele nu prea înalte, iar decorarea pereților, atât aici, cât și acolo, cu greu poate fi numită calmă. Pentru această „etanșeitate și agitație a spațiului”, unii comentatori critică acum Garage. Dar Koolhaas pare să aibă o altă părere: el crede că locurile pentru expunerea artei nu ar trebui să fie monumentale în sine.
Koolhaas spune că propriul său gust pentru arta contemporană a fost modelat de curatorul Willem Sandberg, care a condus Muzeul Stedelijk Amsterdam din 1945 până în 1963 (însuși Koolhaas a locuit în Amsterdam între 1955 și 1968). Expoziții de artă contemporană, avangardă rusă și europeană, concerte de muzică contemporană și proiecții de cinema contemporan în Muzeul Amsterdam au avut loc într-o clădire fără pretenții, cu două etaje, construită în 1954, cu o suprafață de doar 24x10 m, care, potrivit lui Koolhaas, arată mai mult ca o „școală mică”. Această modestă magazie sub un acoperiș cu două fronturi adăpostea, pe lângă săli de expoziții, o bibliotecă, o tipografie, o cafenea și un auditoriu pentru concerte și prelegeri. Aripa Sandberg a introdus cu succes arta contemporană locuitorilor din Amsterdam până în 2004, când s-a decis înlocuirea acesteia cu o extensie mai modernă și la scară largă.
Vorbind despre majoritatea muzeelor de artă contemporană, Koolhaas subliniază că acestea „furnizează în primul rând volume gigantice de spațiu gol pentru utilizare” și citează ca exemplu cheie faimoasa „Turbine Hall” a Tate Modern din Londra, care „a devenit practic un simbol al timpul.
Drept urmare, continuă Koolhaas, „artiștii sunt obligați să cânte într-un fel apocaliptic”, deoarece numai cele mai puternice emoții pot concura cu spațiile de această scară. Nu există loc pentru nuanțe. „Arta devine din ce în ce mai autoritară”. Dimpotrivă, în proiectele OMA, varietatea spațiilor, potrivit lui Koolhaas, permite artiștilor și curatorilor să lucreze cu chestiuni mai subtile.
Kunsthal diferă de majoritatea muzeelor de artă, de asemenea, prin faptul că arhitectul său nu numai că a oferit vizitatorului un set de premise diverse cu exponate, ci le-a înșirat pe o anumită cale de mișcare. Koolhaas, el însuși scenarist în trecut, crede că arhitectul este obligat să se gândească la scenariile de utilizare a spațiului în avans.
Poate că ar fi mai ușor pentru curatori să lucreze cu volume neutre în design și simple în formă, cu un mediu neutru care nu își impune propriile scenarii? Dar arta contemporană, de natură polemică, trebuie să răspundă la împrejurimile sale. Dacă nu aveți nimic la care să reacționați, trebuie doar să vă limitați la tehnicile care evocă cele mai puternice emoții.
Aceleași principii de programare a scenariului spațiului muzeal și formarea acestuia din spații de diferite dimensiuni și proporții care au fost aplicate în Kunsthala sunt, de asemenea, urmărite în alte muzee construite de OMA, de exemplu, în două proiecte pentru Seul (Leeum Museum, 2004 și Muzeul de Artă al Universității Naționale din Seul, 2005). În Garage îndeplinim aceleași principii.
Dar, poate, nu toate ideile cu care a venit Koolhaas în timp ce lucrau la proiecte muzeale nu au fost deja puse în aplicare în clădirile construite? Se pare că este. „Participarea la marele boom al muzeului nu a fost foarte reușită pentru noi”, recunoaște Koolhaas și arată un slide din care rezultă că proiectele nerealizate ale muzeelor de artă contemporană emise de OMA sunt echivalente ca dimensiune cu treizeci și patru de terenuri de fotbal. Ce alte gânduri interesante puteți găsi în aceste spații deschise? În special, acestea se referă la metodele de lucru cu material istoric.
În anii 2000, în timp ce sfătuia Schitul de Stat din Sankt Petersburg, Koolhaas a fost impresionat de interioarele neglijate ale Statului Major General și de unele spații ale Schitului în sine, care nu sunt prezentate publicului. El a pus întrebări: „Fiecare muzeu are nevoie de modernizare? Poate că uneori este necesară inacțiunea? Ar putea reticența în schimbare să devină un instrument care ar spori sentimentul de autenticitate care se pierde adesea în timpul modernizării? Un arhitect nu ar trebui să acționeze ca arheolog în anumite cazuri?"
Vorbind despre Proiectul Hermitage în discursurile sale, Koolhaas demonstrează colaje în care sunt expuse capodopere ale artei mondiale pe fundalul interioare de palat dărăpănate. Ideea a fost că combinația celor mai remarcabile opere cu mediul cel mai mizerabil și neglijat (dar în același timp vechi și autentic) înmulțește efectul acestor lucrări asupra privitorului. Datorită acestui fapt, problemele subtile și delicate devin egale în ceea ce privește influența efectelor primitive ale artei „autoritare”.
Pentru prima dată, Koolhaas a reușit să pună în practică acest instrument de sporire a emoțiilor, propus în cadrul Proiectului Hermitage, în Garaj. Desigur, ruina „Anotimpurilor” este ușor slăbită de restaurare. Pereții ponosiți par să fi fost lăcuți, iar tencuiala prăbușită nu se sfărâmă sub picioarele vizitatorilor, așa cum părea atunci când priveai schițele. Dar instrumentul este încă puternic.
Există o diferență semnificativă între Schit și Garaj: primele expun capodopere recunoscute, iar al doilea, la urma urmei, se va concentra pe arta contemporană nouă. Va funcționa lupa lui Koolhaas în acest caz? Va funcționa dacă există ceva de crescut. Lucrul cu un astfel de spațiu este o provocare serioasă atât pentru artiști, cât și pentru curatori. Emoțiile puternice le sunt garantate cu siguranță. ***
În lucrarea articolului, materialele prelegerilor susținute de Ram Koolhaas în
Muzeul de Artă Modernă de la (Moderna Museet) din Stockholm în martie 2013 [vezi. video al prelegerii] și la Fondation Galeries Lafayette din Paris în iulie 2014 [vezi. video al prelegerii].
