Publicat pentru prima dată în colecția: Arta decorativă și mediul subiect-spațial. Buletinul MGHPA. Numărul 3. Partea 1 Moscova, 2020 p. 21-31. Amabilitatea autorului. Momentul de glorie al stilului Art Deco din Statele Unite a venit la sfârșitul anilor 1920 și 1930. iar formarea sa a fost influențată de o gamă largă de surse, atât istorice, cât și relevante. Cel mai important dintre ei a fost așa-numitul. „Stilul anului 1925”, întruchipat în faimoasele pavilioane ale „Expoziției internaționale de arte decorative și a industriei artistice”, deschisă la Paris pe 28 aprilie 1925. Totuși, pe lângă conceptele artistice și tectonice, stilul zgârie-nori a fost și format datorită planificării urbane și restricțiilor legale.
Legea de zonare din New York din 1916, care a limitat clădirile recent ridicate la o siluetă în trepte, a fost decisivă pentru formarea stilului zgârie-nori. [1] În 1922, H. Corbett și H. Ferris au lansat un proiect pentru turn, ținând cont de cerințele sale. Și, din acel moment, imaginea neoarhaică, medievală, începe să fie percepută ca o idee valoroasă din punct de vedere artistic. Așadar, legea de zonare din 1916, indiferentă față de caracteristicile de stil ale unei clădiri înalte, a determinat efectul extrem de artistic al subțierii tectonice a turnurilor, a format randamentul neo-aztec și silueta neogotică a orașelor americane.
În anii 1920 și 1930, estetica canionului a înlocuit proporțiile tradiționale ale străzilor și clădirilor cu cornișe clasice. În Chicago, al doilea centru pentru dezvoltarea noului stil, în perioada 1927-1930. Holabert și Ruth, precum și Graham, Anderson, Probst și White, construiesc cinci zgârie-nori în trepte, fiecare în neoarhaic, art deco mezamerican. Monumentale, situate una față de cealaltă, au fost destinate să concureze cu realizările neoclasicismului din anii 1900-1910 și între ele. Nu au putut să nu admire și așa s-au străduit să lucreze arhitecții sovietici din anii 1930. Mai mult, neoarhaismul Art Deco a găsit o altă sursă națională de inspirație în Statele Unite - turnurile de cărămidă ale lui R. Walker din New York s-au întors la estetica strălucitoare a stâncilor Monument Valley (cum ar fi, de exemplu, Western Union Building, 1930 și AT Tee Building Long Distance, 1932). Înălțate și acoperite cu basoreliefuri, turnurile Art Deco păreau a fi creațiile aztecilor și mayașilor care se ridicau spre cer. [2]
Stilul Art Deco a apărut în anii 1910-1930 ca o alternativă compozițională și plastică la neoclasicism (istoricism). Astfel, o trăsătură caracteristică a Art Deco-ului SUA este diminuarea, planeitatea decorului, contrastul ascuțit pe scară largă și plastică al accentelor decorative rare și partea principală grandioasă, austeră a turnului. La fel ca lucrările lui Louis Sullivan, portalurile de intrare ale zgârie-nori erau luxoase, dar intime. Maeștrii Art Deco nu au mărit motivele arhaice, așa a fost imaginea piramidei antice grandioase, „locuite” și limita scalei întruchipării sale. Basoreliefurile Art Deco create la înălțimi mari erau radical diferite de splendoarea plastică a istoricismului. Acestea au fost deliberat aplatizate, detalii în miniatură care păreau că au căzut de la muzeu pe stradă fără a-și schimba dimensiunea.
Plasticul Art Deco era extrem de divers - putea fi fie ascuțit, geometric sau rotunjit deliberat, „umflat” sau aerodinamic, creat în estetica așa-numitelor. raționaliza. Respingând canonul greco-roman, Art Deco le-a permis autorilor să-și arate imaginația și erudiția. Așadar, de exemplu, o interpretare specială înmuiată a formei, care revine la plasticitatea sculpturii budiste și egiptene antice, intră în vogă. Ascuțirea, geometrizarea siluetelor și desenarea detaliilor au devenit o altă modă opusă anilor 1920-1930. Nu întâmplător, în anii creației sale, stilul anilor 1920-1930 a primit denumirile „zig-zag-modern”, „jazz-modern” și altele asemenea, subliniind baza cubistă a Art Deco. Geometria, convenționalitatea devine diferența caracteristică dintre Art Deco și neoclasicism, la fel de evidentă ca diferențele dintre canonul sculptural al Greciei antice și basoreliefurile din Mesoamerica. [3]
Astfel, decorativitatea zgârie-nori ar putea lua forma geometrizării istoricismului (American Radiator Building) și a fanteziei plastice (General Electric Building), arhaizarea autentică sau ascetismul final, abstract. Zgârie-nori ar putea fi decorate cu detalii geometrice, neoarhaice (Inter Continental Hotel), fanteziste, sau ar putea fi complet lipsite de ele. Și, cu toate acestea, ele apar ca un stil integral, recunoscut. Plasticitatea acestor turnuri ar putea reveni la ideile avangardei, inovațiile din anii 1910 și pavilioanele expoziției din 1925, precum și la monumentele aspre ale trecutului îndepărtat. Cu toate acestea, piramidele civilizațiilor antice au format atât aplatizarea basoreliefurilor, cât și silueta înclinată a turnurilor Art Deco. Așa a fost neoarhaismul plastic și compozițional al Art Deco-ului american.
Pentru prima dată, combinația dintre basoreliefurile aplatizate și o siluetă în trepte, caracteristică Art Deco, va fi realizată la New York de către arhitectul R. Walker. Clădirea Barclay-Vezier (din 1923) a fost primul zgârie-nori Art Deco lansat înainte de expoziția din 1925. [4] În arhitectura sa, este evidentă o gamă largă de origini stilistice - aceasta este estetica unei siluete neo-aztece înclinate și un complex, în spiritul cubismului, al compoziției, precum și al reliefelor rare, desenate în mod complex în spiritul lui L. Sullivan, datând din Orientul Mijlociu, moștenirea romanică și celtică. La fel vor fi clădirile înalte de la începutul anilor 1920-1930.
Cu toate acestea, care a fost rolul în formarea stilului zgârie-nori la Expoziția Internațională de Arte Decorative și Industrie de Artă din Paris din 1925?
Expoziția de la Paris, planificată inițial pentru 1914 și desfășurată în 1925 după o lungă pauză de construcție, a încercat să devină o renaștere a luxului arhitectural de dinainte de război și a adunat toate inovațiile din primul sfert al secolului al XX-lea. Pavilioanele sale, ca mai târziu zgârie-nori din America, au fost proiectate în spiritul orientalismului și neoarhaicului - o siluetă înclinată, reliefuri aplatizate cu geometrie fantezică, accente decorative contrastante și un fundal ascetic. Așa au fost pavilioanele franceze „Studio Louvre” și „Primavera”, „Pomont” și „Metriz”, galerii comerciale de pe Pont Alexandre III. Și unul dintre primele exemple ale „stilului din 1925” importat în Statele Unite a fost rafinatele grile metalice ale celebrului Edgar Brandt, participant la expoziția de la Paris. Deja în 1925, au decorat clădirea Madison Belmont din New York. Expoziția din Paris din 1925 „a dat un nume” stilului anilor 1920 și 1930 și a devenit reclama sa, dar nu putea defini singură estetica zgârie-nori. [cinci]
Arhitectura Art Deco la Expoziția de la Paris din 1925 și arhitectura americană la începutul anilor 1920 și 1930 au avut origini comune care au alimentat ambele fenomene. Pasul intermediar lipsă între lucrările izolate ale lui L. Sullivan și F. L. Wright în anii 1890-1900 și arhitectura olandeză la începutul anilor 1910-1920 au devenit o diseminare masivă a noului stil. În Amsterdam, pentru prima dată după Primul Război Mondial și lucrările lui Wright din anii 1900, au apărut exemple de decoruri geometrice fantezie, iar acest experiment a fost masiv, convingător. Mai mult decât atât, acestea nu erau structuri temporare create doar de dragul expoziției, ci mediul urban. [6] Arhitecții olandezi au fost primii care au perceput potențialul inovator al stilului Wright și au început să-l dezvolte, iar la sfârșitul anilor 1920, creatorii art deco-ului american își vor urma drumul. Astfel creată la intersecția liniilor care vin din Chicago (de la Sullivan și Wright), Paris și Amsterdam, Art Deco America a devenit o eră a aplicării în masă și a consolidării soluțiilor create anterior.
Era apariției acelor tendințe care vor modela Art Deco sunt încă anii 1890-1900. Liniile de stil care se intersectează la începutul anilor 1920 și 1930 datează de la începutul erei Art Deco și, timp de câteva decenii, vor pulsa, concura și modela moda mondială. În 1893, Wright a părăsit atelierul lui Sullivan, iar această divergență a celor două genii ar forma cele două canale de-a lungul cărora s-ar dezvolta ulterior Art Deco american. Ultimul deceniu al secolului al XIX-lea a fost pentru Louis Sullivan o perioadă de prosperitate, culmea carierei sale. Apoi, în anii 1890, a lucrat activ cu fantezie, decor planar, în timp ce Wright și-a inventat propria arhitectură geometrizată.
Monumentala capodoperă Art Deco timpurie a lui Wright a fost Templul Unității din Oak Park, împodobit cu un decor geometric elegant (1906). [7] Și în arhitectura sa, este evidentă și pasiunea pentru cultura japoneză (în special în interior) și descoperirea de către maestru a noilor tehnici stilistice. [8] Forma magică a acestei biserici cu o forță incredibilă „lovește” în două direcții, prezice atât neoarhaismul Art Deco, cât și abstractizarea avangardei. Și tocmai această dualitate va fi caracteristică stilului zgârie-nori.
Anii 1910-1920 au devenit o eră a schimbului de inovații arhitecturale pentru Europa și Statele Unite, iar după expoziția din 1925 de la Paris, moda pentru un stil nou, Art Deco va prelua deja complet orașele Americii. Cu toate acestea, încă din 1910, o ediție în două volume a F. L. Wright (așa-numitul portofoliu al lui E. Wasmut). A avut un impact semnificativ asupra dezvoltării atât a avangardei, cât și a art deco-ului în Europa. [9] Răspunsul Templului Unității a fost clădirile Sinagogii (G. Elte, 1927) și a Bisericii Ierusalimului (FB Jantsen, 1929), construite în Amsterdam și care își repetă formele. Holul stației de metrou Sokolniki din Moscova (1935), alcătuit din cornișe și rame orizontale, precum și plinte cu vaze caracteristice, a devenit o rară aproximare la stilul maestrului din Chicago și la linia aeriană din URSS. [zece]
Opera lui Frank Lloyd Wright în anii 1900 și 1920 apare ca o mișcare treptată de la „stilul de prerie” la conceptul de „blocuri textile”. Iar cea mai importantă sursă de inspirație pentru maestru în acești ani este moștenirea aztecilor și a mayașilor. [11] Influența arhitecturii arhaice, mesoamericane asupra stilului lui Wright a fost indirectă, dar semnificativă. Nu a fost stilizare. Cu toate acestea, fundații în trepte monumentale și tije orizontale duble, cadre ("case de prerie", Casa Robie) și centuri de reliefuri și modele aplatizate (casa lui Winslow, Midway Gardens, depozitele lui Herman) și chiar acoperișuri plate (Templul Unity) - toate aceasta a fost în același timp o regândire a imaginilor arhitecturii antice, mezoamericane, în primul rând a templelor din Uxmal și a unei inovații stilistice diverse, talentate.
La începutul anilor 1910-1920, Wright a început să lucreze în Japonia și Los Angeles, unde a construit o serie magnifică de vile și conace private. Construit în arhitectura așa-numitelor. „Blocuri textile”, au întruchipat o sinteză paradoxală și expresivă a motivelor neoarhaice și tehnocratice. [12] Astfel, evoluția F. L. Wright în anii 1910 și 20 a constat în complicația decorului arhitectural și abordarea estetică Art Deco. [treisprezece]
În 1924, Wright însuși arată cum puteți transforma stilul conacelor sale în zgârie-nori: pentru Chicago, el creează magnificul National National Insurance Insurance Building. Concesiunea sa a fost dictată de legea privind zonarea și numai metoda reliefului plat geometrizat era, după câte se pare, cu adevărat neoarhaic, mezoamerican. Cu toate acestea, lucrarea cu inserții decorative (modele, „texturi”) găsește o altă sursă în Statele Unite - stilul fantastic al lui Louis Sullivan va fi vestitorul basoreliefurilor plate Art Deco.
În lucrările sale, Sullivan, în anii 1890, a propus tema unui basorelief fantastic aplatizat ca decor pentru un medalion interwindow și un portal de intrare. [14] Acestea erau clădirile maestrului din St. Louis (1891), Chicago (1893), Buffalo (1894), New York (1899) și altele. Lucrând cu fațadele clădirilor de birouri cu mai multe etaje, era Sullivan care au început să folosească contrastul dintre accentele decorative și austeritatea, imposta și relieful aplatizat, la fel și zgârie-nori Art Deco. Paleta lor decorativă a inclus motive neoarhaice și fantezie - geometrice, tehnocratice, precum Wright, și florale, orientaliste, precum Sullivan. Cu toate acestea, ambii maeștri s-au bazat pe talentul lor de desenator, invenție și moștenire arhaică, orientalistă. Și tocmai această dualitate de decor, lucru la intersecția dintre stilizare și inovație, a fost transferată în anii 1920 și 1930 de la Sullivan și Wright la stilul zgârie-nori.
Zgârie-nori Art Deco au fost creați, s-ar putea spune, în „stilul expoziției din 1925”, dar detaliile lor fac o impresie distinctă de a fi atrași singuri, cu talent. În spatele lor se simte o cultură puternică, un experiment masiv, care oferă deja doar soluții precise din punct de vedere stilistic. Stilul expoziției a fost perceput prin prisma propriei moșteniri. Și dacă pentru Parisul din perioada interbelică, „stilul din 1925” a fost o excepție, atunci în Statele Unite a fost distinct național, după ce a primit aici cea mai izbitoare întruchipare. Zgârie-nori Art Deco au devenit pentru Statele Unite un fel de „renaștere” a propriilor sale piramide arhaice, aztece și maya, un dialog cu pionierii noului stil - Sullivan și Wright, și de aceea „stilul din 1925” a câștigat o popularitate atât de mare în orașele americane.
Literatură
- Barkhin A. D. „Amsterdamul anilor 1920 în evoluția stilistică a Art Deco” // Capital, nr. 1 (23), 2013 - pp. 78-83.
- Vasiliev N. Yu., Evstratova M. V., Ovsyannikova E. B., Panin O. A. Arhitectura avangardei Moscovei din anii 1920-1930. Ghid de referință. - M.: S. E. Gordeev, 2011.-- 480 p.
- Goldstein A. F. Frank Lloyd Wright. - Moscova, 1973.
- Zueva P. P. Zgârie-nori american / Art. 1 septembrie, Moscova: 2011, nr. 12. - P. 5-7
- Malinina T. G. Istorie și probleme moderne ale studierii stilului art deco. // Arta epocii modernismului. Stil Art Deco. 1910-1940 / Colecție de articole bazate pe materialele conferinței științifice a Institutului de cercetări științifice al Academiei de Arte din Rusia. Resp. ed. T. G. Malinin. M.: Pinakothek. 2009. - С.12-28
- Ovsyannikova E. B. Influența expresionismului asupra arhitecturii în anii 1930. / Ovsyannikova E. B., Tukanov M. A. / Avangarda rusă a anilor 1910-1920 și problema expresionismului / Ed. G. F. Kovalenko. - M.: Nauka, 2003. S. 387-406
- A. V. Petukhov Art Deco și artă franceză din primul sfert al secolului XX BuxMart, 2016. - 312 p.
- Filicheva N. V. Stilul Art Deco: problema interpretării în contextul culturii secolului XX. Buletinul Universității de Stat din Leningrad. LA FEL DE. Pușkin, 2010 - 2 (2), 202-210.
- Khayt V. L. „Frank Lloyd Wright - un arhitect și un om din toate timpurile” // Despre arhitectură, istoria și problemele sale. Colecție de articole științifice / Prefață. A. P. Kudryavtseva. - M.: Editorial URSS, 2003. - S. 261-274.
- Hillier B. Art Deco / Hillier B. Escritt S. - M.: Art - secolul XXI, 2005 - 240 p.
- Bayer P. Arhitectură Art Deco. Londra: Thames & Hudson Ltd, 1992. - 224 p.
- Bouillon J. P. Art Deco 1903-1940 - NY.: Rizzoli, 1989 - 270 p.
- Frank Lloyd Wright on Architecture Selected: Scrieri selectate. 1894-1940 / Ed. de Frederick Gutheim. New York: Duell, Sloan și Pearce, 1941
- Holliday K. E. Ralph Walker: Arhitectul secolului. - Rizzoli, 2012 - 159 p.
- Secrest M. Frank Lloyd Wright: A Biography - University of Chicago Press, 1998
[1] Un punct de reper în arhitectura din New York a fost construirea în 1915 a clădirii echitabile, un spațiu de birouri record. Deja în 1916 va fi adoptată o lege privind zonarea, care, ca P. P. Zuev, a permis clădirilor să fie la înălțimea dorită, începând cu o secțiune a turnului egală cu un sfert din suprafața amplasamentului și a cerut o indentare începând de la o marcă de 45-60 m, adică una și jumătate din lățimea străzii. Ulterior, legi similare de zonare au fost emise în alte orașe din Statele Unite. [4, p. 6]
[2] Era Art Deco era conștientă de originile sale, astfel încât pavilionul „Templul Mayan”, construit pentru Expoziția Mondială „Era Progresului” din Chicago (1933), a fost un răspuns la pavilionul „Angkor” de la Colonia Internațională Expoziție la Paris (1931). Unul dintre primele exemple ale acestui interes a fost pavilionul „Templul aztecilor” de la Târgul Mondial din Chicago (1893).
[3] După cum subliniază P. Baer, revoluția din Mexic din 1910 a contribuit la studiul intens al monumentelor din America precolumbiană, stilul lor s-a dovedit a fi nu numai uimitor, ci nou - așa cum se spune, „indienii au fost primii cubisti”. [11, p. 16]
[4] După cum a remarcat K. Holliday, reliefurile plate ale clădirii Barclay-Vezier au fost realizate chiar înainte de expoziția din 1925. R. Walker însuși a arătat antichitatea romană și lucrările lui L. Sullivan ca surse. [14, p. 50]
[5] După cum indică T. G. Malinin, termenul „Art Deco” a apărut în 1966 pe valul de interes pentru arta perioadei interbelice și în legătură cu expoziția dedicată aniversării a 40 de ani de la expoziția de la Paris (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). Aceeași abreviere „Art Deco” (Arts Deco) a fost folosită pentru prima dată în articolele din Le Corbusier în anii 1920, la început într-un sens ironic și critic. [5, p. 27; 8, p. 206]
[6] Pentru mai multe detalii, consultați articolul autorului [1, pp. 78-83]
[7] În anii 1910, Wright a creat o serie de proiecte apropiate de Art Deco, inclusiv clădirea cu nervuri Call for San Francisco (1912), proiecte pentru Biblioteca Carnegie din Ottawa (1913) și Teatrul Aline Barnsdel (1918)) și Merchandising Building (1922) din Los Angeles etc. Clădirea Larkin din Buffalo (1904, neconservată), Bock House din Milwaukee (1916) și Hollyhock House din Los Angeles (1919-1922) au fost implementate în stilul Art Deco timpuriu.
[8] Pentru prima dată cu cultura japoneză, F. L. Wright (1867-1959) se întâlnește la Târgul Mondial din Chicago (1893). În 1905, Wright a făcut o călătorie în Japonia (prima dintr-o serie) și a început să colecționeze amprente japoneze. La Tokyo, proiectează Hotelul Imperial (1919-1923, nepăstrat) și vila lui T. Yamamura (1918-1924) din Tokyo. Și tocmai din arhitectura japoneză, Wright pare să perceapă atât estetica cornișelor puternic extinse și a versanților acoperișului care formează imaginea și silueta „caselor de prerie”, cât și soluțiile de culoare ale interioarelor, de exemplu, în Unity Temple și Robie House.
[9] Influența lui Wright este, de asemenea, clar perceptibilă în exemplul iconic al avangardei europene - clădirea primăriei din Hilversum (V. Dudok, 1928), care întruchipa un fel de imagine mărită a Robie House (1908). Influența stilului lui Wright se remarcă și în lucrările lui O. Perret, vitraliile de la Roby House sunt recunoscute în interiorul Bisericii Notre Dame de Rency (1922), cornișa simplificată puternic redată a Unității Biserica Templului „completează” fațada teatrului de pe Champs Elysees (1913).
[10] Streamline este considerat a fi una dintre tendințele epocii Art Deco. Și printre rarele sale exemple domestice, cercetătorii includ clădirea magazinului Danilovsky construit la Moscova (G. K. Oltarzhevsky, 1936). Acesta pare să fi fost un răspuns la Casa Moss din Berlin (E. Mendelssohn, 1923). Construirea Comisariatului Popular pentru Pământ a fost decisă și de orizontale de cornișe și cadre (A. V. Șchusev, 1933). Astfel, în arhitectură, primele exemple de stil nervurat și simplificare apar înaintea unor forme similare în designul auto. Pentru mai multe detalii despre tehnicile de stil ale arhitecturii raționalizate, consultați [2, p. 29; 6, p. 389]
[11] Moștenirea aztecilor și a mayașilor a fost de asemenea disponibilă pentru Wright conform graficului F. Caserwood, care în anii 1840 a explorat și a schițat pentru prima dată ruinele templelor din America precolumbiană și este cunoscut din propriile impresii - de la „templul aztec” la Expoziția Mondială din Chicago din 1893 (unde atelierul Sullivana a ridicat pavilionul „Transport”) și de la o expoziție specială cu modele și fotografii ale templelor mayașe la Expoziția Panama-California din San Diego, care maestru vizitat în 1915.
[12] Pentru prima dată, Wright a lucrat cu „blocuri textile” în anii 1910, astfel încât deciziile au fost luate - Midway Gardens (Chicago, 1914, nepăstrat) și depozitul lui A. Herman (Richland Center, 1915). În Los Angeles, în acest stil, Wright implementează o serie de conace - Storer House (1923), Millard House (1923), Freeman House (1923) și Ennis House (1924). Capodopera lui Wright a fost Casa Hollyhock (1919-22). Numit după floarea Hollyhock, a fost împodobit cu o varietate de decoruri geometrice, atât de plante, cât și tehnocratice.
[13] Să explicăm că în anii 1900-1910, lucrările lui Wright erau cu adevărat înaintea timpului lor - atât în grafica arhitecturală, cât și în plastic și compoziția volumelor. Cu toate acestea, la sfârșitul anilor 1920, când arhitectura Art Deco a atins apogeul, Wright nu era în căutare. Mai mult, în timp ce în lucrările maestrului a existat o oarecare convergență a plasticelor geometrice fantezice ale conacelor sale cu stilizarea francă neoarhaică, mezoamericană, apariția esteticii avangardiste era deja în curs de desfășurare în Europa și URSS. Și la începutul anilor 1920 și 1930, arhitectura lui Wright, paradoxal, nu mai era relevantă nici în capitalele ridicate în clasici - Washington și Moscova, nici în laboratoarele de creație ale VKHUTEMAS și Bauhaus.
[14] Wright a moștenit de la gândirea lui Sullivan în reliefuri aplatizate, modele și cornișe dreptunghiulare foarte extinse (ca în Templul Unității). Distincția epocii Art Deco din anii 1920 și 1930 a fost finalizarea clădirilor nu cu cornișe, ci cu profile și detalii aplatizate, mansarde și margini neoarhaice.
