Anul acesta, publicul a fost prezentat solemn Pavilionului italian, situat în partea de nord-vest a Arsenalului, lângă Grădinile Delle Vergini. Expoziții italiene au mai avut loc acolo - acum doi ani la Bienala de Arhitectură în aceste săli au prezentat o expoziție de 12 proiecte de locuințe italiene. Acum, spațiul a fost reconstruit, extins (în 2009 de la 800 la 1800 de metri) și denumit Pavilionul italian. Eliminând astfel confuzia dintre „pavilionul italian” din Giardini, unde nu au fost expuși expozanți naționali, ci internaționali de mult timp (se numește acum Palazzo delle Esposizioni) și expoziția națională italiană, care a primit în sfârșit statutul de „ pavilion.
Un astfel de eveniment ar fi trebuit marcat cu o expoziție „reper”, pe care curatorul, câștigătorul Premiului Bienal 2006 pentru critică Luca Molinari, nu a omis să-l organizeze. Sub titlul „Ailati. Reflections from the Future”a arătat o imagine de ansamblu panoramică asupra arhitecturii italiene„ ieri, azi și mâine”. El a încercat să găsească rădăcinile unei probleme remarcate peste tot: de la sfârșitul anilor 1980, Italia și-a pierdut poziția puternică în domeniul arhitecturii internaționale și, cu excepția lui Renzo Piano și, într-o măsură mai mică, a lui Massimiliano Fuksas, arhitecții săi construiesc puțin în străinătate și nu atrag prea multă atenție.publicul. În ultimii 20 de ani, nu a apărut nici măcar o lucrare majoră a teoreticianului italian, iar calitatea arhitecturală a clădirilor a scăzut constant în interiorul granițelor țării; arhitectura s-a transformat în ceva lipsit de importanță în opinia publică, într-o ramură a artei aplicate și și-a pierdut „identitatea națională”. Molinari încurajează întoarcerea sensului civic și capacitatea de a influența viața oamenilor și dorește să arunce o privire nouă asupra problemelor de proiectare, alegând cuvântul cod Ailati pentru această abordare - o imagine în oglindă a Italiei. Molinari subliniază evenimentele din sfera profesională și publică 1990-2010 în instalația informativă „Amnesia” (adică „pierderea” arhitecturii italiene din procesul istoric): acolo puteți afla că în ultimii 20 de ani multe figuri proeminente ale perioada postbelică a plecat, de la Aldo Rossi înainte de Ettore Sottsas, și a început era arhitecturii digitale, generația tânără a devenit mult mai mobilă și au început să apară mai multe clădiri de calitate în provincii decât în centrele culturale și economice tradiționale.
A doua secțiune, „Laboratorul Italia” demonstrează potențialul arhitecților care lucrează în prezent: în 10 subsecțiuni (inclusiv: „Este realist să construiești ceva de înaltă calitate cu un buget de 1000 euro / m2?” Sau „Ce ar trebui făcut cu proprietatea confiscată de la mafie? ) 40 dintre cele mai interesante proiecte din ultimii trei ani: deja implementate sau în ultima etapă de construcție. Expoziția ilustrată detaliată atrage atenția mult timp.
Cu toate acestea, cea mai strălucitoare, deși cea mai puțin informativă parte a expoziției italiene a fost secțiunea viitorului, „Italia 2050”. Molinari a creat-o în colaborare cu editorii de la Italian Wired, ai căror angajați au recomandat 14 oameni de știință, profesioniști în mass-media, cineaști și artiști care modelează viitorul astăzi. Fiecare dintre ei și-a prezentat viziunea asupra țării și a lumii în 40 de ani, iar aceste idei au fost întruchipate sub formă materială cu ajutorul a 14 designeri și arhitecți. Obiectele rezultate sunt plasate pe o platformă înaltă; pentru a le privi mai bine, fiecare ar trebui să urce pe o scară specială. O astfel de soluție a expoziției îi oferă intrigă, deși conexiunea structurilor care amintește de sculpturile abstracte cu indicatoare luminoase-explicații „Materie / Antimaterie”, „Plăcere / Sentimente” etc. pare cel mai subtilă în cel mai bun caz. Cu toate acestea, Ediția specială cu fir conține un ghid detaliat pentru această parte a expoziției. În ansamblu, pavilionul italian este, fără îndoială, una dintre cele mai reușite „contribuții” naționale la Bienală, partea de divertisment din acesta este direct proporțională cu conținutul remarcabil și singura întrebare fără răspuns rămâne următoarea: cum se leagă toată această diversitate la tema Bienalei „Oamenii se întâlnesc în arhitectură” și principalul motiv al spațiului pentru aceasta?
Cu toate acestea, aceeași întrebare poate fi adresată britanicilor: numele expoziției lor „Villa Frankenstein” poate fi interpretat ca o aluzie la numeroasele sale părți. Curatorii l-au „cusut” din diferite piese în același mod ca Frankenstein - monstrul său. Dar versiunea oficială este mai sigură: este o referință la John Ruskin - plângerea sa că influența cărților sale a dat naștere la „monștri” arhitecturali sub formă de case și pub-uri cu gust medieval (inclusiv venețian) în toată Anglia. Într-adevăr, locul central din pavilion este ocupat de caietele lui Ruskin, ilustrate cu fotografii ale Veneției din secolul al XIX-lea. Dar acestora li se adaugă o expoziție dedicată ecosistemului lagunei venețiene, dotată cu păsări umplute și un acvariu cu flora mlaștinilor sale sărate, precum și o secțiune din tribunele Stadionului Olimpic 2012 din Londra pe o scară de 1: 10, care servește ca loc de desfășurare a seminariilor. Sub ea se află o altă expoziție dedicată mișcării pentru drepturile egale ale femeilor din Italia și din străinătate. Toate acestea ar fi de ajuns, dar curatorii nu au uitat nu numai femeile, ci și copiii: în fața treptelor pavilionului, le-a fost betonată o piscină superficială (în locul bălții care a „ales” această parte a land), iar artistul Lottie Child a organizat împreună cu copiii venețieni proiectul „Street Education”, dedicat siguranței și divertismentului pe străzile orașului. Toate acestea sunt greu de unit de tema comună a influenței Veneției asupra britanicilor, directă și indirectă (adică prin Ruskin).
Pe de altă parte, curatorii germani au luat literalmente deviza Bienalei: pavilionul lor a devenit un loc de întâlnire în sensul literal al cuvântului. Acesta este „Salonul Roșu” pentru conversații pe o temă arhitecturală, decorat cu 182 de desene ale arhitecților, criticilor și artiștilor cărora li s-a cerut în mod special să-și exprime „dorințele arhitecturale” prin intermediul graficii: la urma urmei, numele expoziției este aproape intraductibilul Sehnsucht - dorință, dor. Așa că curatorii au încercat să obțină un „instantaneu” sau „distribuție” a lumii interioare a unui arhitect modern german. Salonul central este completat de patru spații „simbolice”: „Mirror Hall”, „Room with a View”, „Dark Room” și „Emptiness” (totuși, acesta din urmă nu este complet gol: există un mic ecran cu un abstract opera de artă video), precum și instalația audio „Veneția” de la studioul U5 - înregistrarea zgomotelor și sunetelor tipice pentru acest oraș. Toate acestea ar trebui să fie sugestive, trezind dorințe, creând impresii - adică lucrând cu „chestiuni subtile”. Dar este planificată și o serie complet tradițională de simpozioane și mese rotunde, care ar trebui să contribuie și la înțelegerea lumii interioare a arhitectului și, prin el, a întregii arhitecturi. Fără îndoială, aceasta este o ieșire neașteptată din situație: o plecare de la arhitectură la lumea ideilor și dorințelor, de la spațiul real la sfera mentală. Dar o decizie atât de îndrăzneață necesită întruparea sa extraordinară, care, din păcate, nu se află în pavilionul german.
În pavilionul Olandei, curatorii de la biroul Rietveld Landscape au prezentat expoziția „NL-uri goale, unde arhitectura întâlnește idei”, interpretând cu înțelepciune tema Bienalei. Ei au calculat că pavilionul este ocupat de expoziții timp de doar 3,5 luni pe an, ceea ce înseamnă că de la construcția sa (1954), clădirea sa a fost goală pentru un total de 39 de ani. Cu toate acestea, în ciuda începutului amuzant, complotul prezentat la expoziția olandeză este mai mult decât serios: în Olanda, mii de clădiri administrative și publice din secolele XVII-XXI, clădiri aparținând statului, rămân goale în așteptarea deciziei destinului lor (reconstrucție, demolare etc.), iar acest lucru nu ia în considerare facilitățile militare și pustiile. Numărul lor crește în fiecare săptămână și, de fapt, reprezintă o resursă valoroasă pentru sectoarele inovatoare ale economiei, în primul rând „economia cunoașterii” - sfere, a căror dezvoltare guvernul olandez a recunoscut recent ca prioritate (ei bine, nu numai guvernul nostru este dornic de inovație). Potrivit autorilor expoziției, toate clădirile goale pot fi utilizate ca laboratoare științifice, ateliere de arhitectură și proiectare etc., care ar avea un efect secundar pozitiv al creării de legături interdisciplinare vii. Curatorii îndeamnă autoritățile să ia o decizie adecvată cât mai curând posibil. Din punct de vedere material, aceste idei sunt exprimate în același timp laconic și eficient: etajul inferior al pavilionului este în mod natural gol. Deasupra, la nivelul etajului balconului interior al galeriei, există cabluri de oțel pe care sunt fixate multe modele de clădiri (cele care sunt goale în Olanda reală), sculptate din spumă albastră. De sus, privit din balcon, totul arată ca un covor albastru în relief. Modelele sunt completate cu diagrame formate din știfturi introduse în perete pe scări și fire întinse între ele.
Francezii au continuat cu succes linia seriozității: expoziția lor intitulată „Metropolis?” dedicat planificării urbane moderne, mai exact, proiecte la scară largă în curs de dezvoltare pentru Paris, Lyon, Marsilia, Bordeaux și Nantes. Toate acestea sunt prezentate sub formă de filme, care rulează în total 4 ore (o oră în fiecare dintre săli). Dar soluția dinamică a acestor videoclipuri vă face să regretați că este aproape imposibil să le vizionați integral. În ceea ce privește ideea principală și legătura cu tema Bienalei, curatorul pavilionului, Dominique Perrault, subliniază importanța pentru dezvoltarea unui oraș mare de spațiu liber - gol - ca țesătură de legătură, loc pentru viață și material pentru dezvoltarea potențială (pavilionul francez este discutat în detaliu în articolul lui Alexei Tarkhanov în Kommersant).
Este ușor de văzut că expozițiile din țările de top ale scenei arhitecturale mondiale la Bienală prezintă puncte de vedere extrem de diverse atât asupra arhitecturii, cât și asupra evenimentului în sine. Totuși, ar fi ciudat să așteptăm uniformitatea - mai ales în epoca „crizei” care necesită inventivitate.
