Într-un scurt discurs la prezentarea cărții la centrul educațional al Muzeului Garaj, autorul s-a numit arhivar. Această carte este publicarea unei arhive pe care Yuri Avvakumov o colectează din 1984, când a apărut termenul „Arhitectură de hârtie” (vezi capitolul „Titlu” de mai jos). Potrivit autorului, ideea cărții a apărut acum zece ani, cartea are forma unei antologii, adică o colecție de ceva, de exemplu, flori. „Am adunat toate florile pe care le iubesc și, dacă cineva îi iubește pe ceilalți, lasă-i să-și publice propria carte”, a spus Yuri Avvakumov.
Acesta este un volum imens, se simte ca patru kilograme. O carte albă frumoasă cu un design clasic, bine tipărită. Coperta sa este așezată pe o foaie de hârtie Whatman, care, aparent, este un monument al unui arhitect din secolul trecut. Boomarch este o contribuție atât de incontestabilă a Rusiei la cultura mondială a secolului XX, încât lucrările portofelelor sunt păstrate în Muzeul Rus și Galeria Tretyakov, în MOMA din New York, în Centrul Pompidou din Paris, în Victoria și Albert Muzeul și în Galeria Tate.
-
mărire 1/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
-
mărire 2/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
-
mărire 3/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
-
mărire 4/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
-
mărire 5/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
-
mărire 6/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
-
mărire 7/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
-
mărire 8/8 Foto © Fyodor Kandinsky / Amabilitatea Garage Museum of Contemporary Art
Cartea conține lucrări de 84 de autori: 250 de proiecte în 570 de ilustrații. Unele nume pot părea neașteptate pentru cineva din seria „portofele”, de exemplu, există un reprezentant al generației mai vechi, Andrey Bokov, și cel mai tânăr, Aleksey Kononenko. Mulți au participat la concursurile și expozițiile legendare de hârtie, ideile noastre despre arhitectura hârtiei sunt încă rafinate. Foarte important, cartea conține, de asemenea, materiale de referință privind competițiile și expozițiile de hârtie, precum și un index de nume.
Lucrarea este precedată de o colecție de citate din cercetători și jurnaliști de renume. Ele dau definiții figurative arhitecturii hârtiei. Jean Louis Cohen: „noua și ultima generație de vizionari sovietici”. Catherine Cook: „un catalizator pentru reînnoirea profesiei de arhitect”. Selim Khan-Magomedov: „impulsul formativ al tinerilor arhitecți”. Grigory Revzin: „o formă de evadare din realitatea plictisitoare sovietică în lumile frumoase ale imaginației”. Alexander Rappaport: „Rezultatul distrugerii a doi cenzori - extern și intern”. Alexey Tarkhanov: „Anecdotă arhitecturală profesională care parodează sistemul de educație și valori”. În mod neașteptat, apariția în această companie a scriitorului Max Fry, pentru care munca portofelelor este „un exemplu strălucitor de transformare a slăbiciunii în forță, Sun Ji ar fi mulțumit”.
Textul lui Yuri Avvakumov însuși (vezi fragmentul de mai jos) este organizat ca o serie de capitole cu titluri strălucitoare care pot fi citite în orice ordine. Aceasta este o mărturie și un rezumat la prima persoană. La sfârșitul cărții există interviuri și articole ale lui Yuri Avvakumov din diferiți ani dedicate boomarhului.
-
mărire -
mărire
Este foarte valoros faptul că un corpus mare de proiecte poate fi acum vizualizat simultan cu textele. Textele literare au jucat un rol important în munca portofelelor. Odată poetul și scriitorul Dmitry Bykov a spus că nu înțelegea artele materiale ale arhitecturii și designului, deoarece nu se ocupau de suflet și pentru că nu aveau nicio complot. În arhitectura de hârtie, legătura cu sufletul a fost restabilită, iar atingerea marilor mituri / comploturi a dat lucrărilor profunzime. Capela de sticlă a lui Alexander Brodsky și Ilya Utkin („Un pod peste un abis în munții înalți”, 1987), atârnată între abisul de jos și abisul de deasupra, este imaginea unui Heidegger: locul unei persoane nu este doar între stânga și dreapta, dar și între cer și iad. Apropo, este ușor să ne imaginăm o astfel de atracție undeva în munții sudici. În general, sentimentul principal din carte: arhitectura conceptuală nu este depășit. Multe lucruri pot fi construite în oraș și nu vor fi mai rele decât „coșul” Heatherwick - o punte de observare deschisă recent la New York. Prototipul său din 1987 se găsește la pagina 173.
Textele sunt citite ca basme sau poezii. De exemplu, aceeași prefață Brodsky și Utkin la Forumul celor o mie de adevăruri proiectează următorul pasaj poetic: „Petrecem ani rătăcind în căutarea cunoștințelor și, în final, ne dăm seama că nu am învățat nimic. Nimic de care nu aveam nevoie cu adevărat. Informațiile reale nu pot fi cumpărate, sunt disponibile pentru cei care pot viziona, asculta, gândi. Este împrăștiat peste tot - în fiecare loc, fisură, piatră, baltă. Un cuvânt de conversație prietenoasă oferă mai multe informații decât toate computerele din lume."
Dacă aș întreba care dintre portofelele de astăzi a păstrat legătura cu acele vise din anii 1980, aș numi Belov, Brodsky, Kuzembaev, Utkin, Filippov și Avvakumov însuși. Mihail Filippov și-a întruchipat literalmente manifestul, formulat în acuarele în 1984, despre transformarea unui oraș industrial într-unul tradițional. Temele turnului anti-babilonian, Atlantida, Ierusalimul Ceresc sunt implementate în cartierele de la Moscova pe care le-a construit în realitate și Gorki-Gorod la Sochi. Mihail Belov a intrat în acest moment în zona liniștită a pietrelor și a marmurei și este mai puțin complicat decât lucrarea sa „Casa-expoziție pe teritoriul unui muzeu al secolului XX” (apropo, aceasta poate fi construită și în oraș), dar casele „pompeiene”, „imperiale” și școala din Jukovka aveau programe de teatru întregi, cu un spirit destul de asemănător hârtiei. Alexander Brodsky nu s-a îndepărtat de instalații, de artă, a mărginit întotdeauna cu ele: restaurantul „95 de grade” sau rotunda din Nikola-Lenivets - de fapt, arhitectură conceptuală, întruchipată în realitate. Ilya Utkin a rămas întotdeauna un visător, în timp ce se uita la câmpul semantic al clădirilor: restaurantul Atrium, vila de la Casa Albă, cuibul Noble cu mai multe etaje din Levshinsky și scenografia baletului Paris Flame din Bolșoi. Și într-un spirit de hârtie, proiectul de înnobilare a panoului brezhnevka cu risalits. Totan Kuzembaev în avangarda de lemn: House-Telescope, House-Bridge și alte clădiri - a păstrat, de asemenea, visul portofelelor, deși în exterior viziunile sale de hârtie - pânzele de păianjen ale orașelor mirage sunt complet diferite. Proiectul său recent de clădiri din lemn cu cinci etaje - o utopie realizată - este asociat cu umanismul boomarhului: el, în cuvintele lui Fry, transformă slăbiciunea în forță, o zonă de dormit cu case similare într-un mediu prietenos cu oamenii, deoarece case similare din lemnul este posibil. Yuri Avvakumov, angajat în proiectarea conceptuală a expozițiilor, a menținut, de asemenea, o legătură cu arhitectura de hârtie. Majoritatea celorlalți autori prezentați în carte au obținut recunoaștere și s-au realizat într-o mare arhitectură. Clădirile lor sunt semnificative, dar visele lor au rămas în proiecte de hârtie. Cei trei arhitecți tradiționali menționați, doi maeștri de arhitectură din lemn orientați ecologic și un autor de expoziție au păstrat coridorul metafizic care s-a deschis în anii 1970 și 1980 și încă mai trag de acolo. Arhitectura hârtiei este un fenomen al culturii mondiale de aceeași ordine ca filmele lui Tarkovsky sau muzica lui Pärt, supranațională, universală, izvorâtă din aceeași sursă. Aș vrea ca această sursă să nu se usuce.
***
Un extras din cartea lui Yuri Avvakumov „Arhitectura hârtiei. Antologie"
Nume
Numele expoziției s-a născut aproape din greșeală, când eu și Andrei Savin am machetat broșura expoziției, am tăiat și lipit textele dactilografiate - aceasta a fost tehnica de colaj care a fost utilizată pentru a pregăti machete pentru tipografie - machetă în ultimul moment, când nu era timp să ne punem de acord cu tovarășii noștri. Putem spune că decizia de a numi expoziția „hârtie” a apărut datorită procesului de tipărire „lipici - foarfece”. Și, deși mai exista o alternativă pentru a numi expoziția „arhitectură de șevalet”, adjectivul „hârtie” se potrivea mai bine arhitecturii - hârtia, ca în celebrul joc, a câștigat piatră. Vigdaria Efraimovna Khazanova, specialistă în arhitectură de avangardă, a susținut ideea de a numi expoziția un blestem profesional. Și s-a așezat imediat pe o figură nepotrivită pentru luptător special cusută … Și Selim Omarovich Khan-Magomedov, un cunoscut cercetător din anii 1920, a încercat să descurajeze retroactiv: „Numele este șocant, dar aveți deja o muncă bună. Nu trebuie să legănăm barca, știi, oricum suntem cu toții bolnavi . El a apreciat cu adevărat fenomenul arhitecturii hârtiei, plasându-l pe același nivel cu avangarda arhitecturală rusă din anii 1920 și neoclasicismul stalinist din anii 1930.
Muzeu
În 1985, la Moscova a avut loc un festival al tinerilor și studenților. O expoziție de tineri arhitecți sovietici a fost organizată în Casa Centrală a Artiștilor: clădiri și proiecte, printre care erau destul de puțini competitivi, „de hârtie”. Am fost invitați la această expoziție la Ljubljana, la galeria principală SKUC, și astfel în 1986 a avut loc prima expoziție străină de arhitectură de hârtie. Ei bine, „mai departe - peste tot” - expoziții în Asociația Arhitecturală din Londra, în La Villette din Paris, în Muzeul German de Arhitectură din Frankfurt, în Fondul Arhitectural din Bruxelles, în Zürich, un tur al a patru universități din America.. După America, în 1992, expoziția s-a întors la Moscova, am montat ultima, după cum mi s-a părut, spectacol la Institutul de Arhitectură din Moscova, numită „Arhitectura hârtiei: Alma Mater” și m-am pregătit să desființez expoziția, dar apoi Capital Savings A apărut Banca, care în acel moment își crea în mod activ propria colecție. Marina Loshak i-a fost curator. Astfel, cea mai bună bucată de arhitectură selectată a hârtiei a fost proprietate privată. Zece ani mai târziu, când proprietarul băncii, din motive politice binecunoscute, a început să scape de diverse active, colecția, la propunerea mea, s-a mutat la Muzeul Rusiei, unde Alexander Borovsky și departamentul său de ultimele tendințe sunt bucuroși l-a acceptat.
Fin de siecle
Ultima expoziție de la Institutul de Arhitectură din Moscova nu a fost ultima din istoria arhitecturii hârtiei, dar a fost deja cu adevărat istorie - istoria artei. Până la sfârșitul anilor 1980, expoziția itinerantă a fost completată cu lucrări noi, dar mai târziu - nu mai este. Declinul mișcării a avut loc din diverse motive: și pentru că toate lucrurile bune ajung la sfârșit; și pentru că în anii 1990, arhitecții din Rusia erau ocupați în cea mai mare parte cu supraviețuirea materială - nu există timp pentru experimente creative; și pentru că epoca hârtiei ca material pentru arhitecți s-a încheiat - planșa de desen, hârtia, hârtia pentru calcat, cerneala, creionul, stiloul de reglare, căptușeala de cerneală și radieră au fost înlocuite de șoareci de computer, monitoare și imagini. Așadar, arhitectura de hârtie s-a dovedit a fi locul în care se păstrează cel mai bine, adică nu pe un șantier, ci într-un muzeu. Și este simbolic faptul că declinul său a avut loc la sfârșitul secolului și al mileniului.
Despre noi
Când am intrat în institutul de arhitectură în anii 1970, nu credeam că vom deveni ultima generație de arhitecți sovietici - după cum știți, în 1991 Uniunea Sovietică s-a prăbușit. Când am învățat să descriem arhitectura nouă cu creion, cerneală, stilou, vopsele, nu am avut nicio idee că vom fi ultimii cărora le-a fost transferată această abilitate manuală - acum arhitectura este descrisă folosind programe de calculator. Când am început să participăm la concursuri pentru idei de arhitectură și să primim premii internaționale în anii 1980, nu ne așteptam ca aceste lucrări să ajungă în colecțiile Muzeului Rus, Galeria Tretyakov sau Centrul Pompidou … Toate acestea sugerează că arhitecții sunt vizionari lipsiți de importanță. Dar viitorul este în proiectele prezentate aici. Viitorul în care trăim sau în care am putea trăi. Viitorul imaginat de mijloacele grafice ale trecutului. O utopie privată în distopie totală.
Basme
Interesant, spre deosebire de, să zicem, arhitectura clădirilor reale, proiectele conceptuale din anii 1980 nu sunt foarte învechite. Principalul motiv poate fi faptul că, fiind liber de client și de circumstanțele specifice locului, arhitectul în „proiectul său de proiect” a inventat simultan atât obiectul arhitectural, cât și mediul în care a apărut ca Deus ex machina. Apariția unui arhitect ca creator este rară în aceste zile, amintiți-vă cum în Rusia clienții de astăzi sunt împinși de un arhitect, chiar dacă este câștigător al Premiului Pritzker. Și aici, aproape fiecare proiect are o minunată dispoziție de Crăciun - iată o așezare deprimantă, afectată de sărăcie, mizerabilă, lipsită de bucurie, plictisitoare, uitată, dar apariția unui erou-arhitect cu creația sa - toată lumea îngheță uimită: al unui oraș mohorât un palat de cristal; un teatru turistic vesel plutește în golf; în haosul monoton al clădirilor moderne, se descoperă un foișor pentru meditație; curțile rezidențiale sunt pline de acri plate de natură neatinsă … Basmele nu îmbătrânesc niciodată. Distopia în ele este combinată cu utopia - și toată lumea crede într-un miracol, spectatorul-cititor al proiectului de hârtie începe să creadă că nu tot ceea ce este în jur este atât de întunecat, că există încă speranța că va veni un arhitect, va străluci un reflector și va găsi o ieșire de urgență către un viitor mai bun.
Un extras din cartea lui Yuri Avvakumov „Arhitectura hârtiei. Antologie"
