La o conferință de presă înaintea deschiderii Bienalei, președintele său, Paolo Barrata, l-a lăudat foarte mult pe curatorul Aaron Betsky pentru sugerarea devizei greu de înțeles „Afară” pentru expoziția de arhitectură care are loc acum la Veneția - cea mai reprezentativă arhitectură expoziție în lume. Arhitectura dincolo de construcție '. Potrivit lui Barrata, acest subiect este multilateral, semnificativ și fructuos. Provoacă căutări creative și, prin urmare, actuala bienală arhitecturală este probabil cea mai bună din ultimii zece ani. Curatorul Aaron Betsky a acceptat complimentul favorabil - după care a trebuit să răspundă mult timp la întrebările jurnaliștilor, explicând că, de fapt, iubește clădirile și nu intenționa să transforme bienala de arhitectură într-o ramură a Bienalei de artă contemporană și de asemenea, că nu este deloc un utopic, nu planează în nori și visele devin realitate.
Deci, tema stabilită de Betsky în termeni de ambiguitate pare să fi depășit toate expozițiile anterioare. Mai mult, poate fi tradus în diferite moduri - fie „în afară”, fie „înainte”, fie „peste”. Un alt cuvânt „dincolo”, acum lipit în toată Veneția (mai ales mult în pavilionul italian) este tradus ca „viață de dincolo”. Acest lucru reflectă în mod neașteptat faptul că curatorul Bienalei a definit clădirile ca „morminte ale arhitecturii” - arhitectura, în opinia sa, este un mod de gândire asupra clădirilor și, atunci când sunt construite, aceasta moare. În Veneția, un oraș muzeu care se scufundă liniștit sub apă, acest lucru sună deosebit de pacificant și, vrând nevrând, te face să-ți amintești orașul rus Kitezh.
Cu toate acestea, sarcina curatorului trebuie înțeleasă exact opusul - el, desigur, nu a vrut să omoare arhitectura, ci să o reînvie (și expoziția) în mod obișnuit - trecând dincolo de cadrul lumii arhitecturale în sine. în căutare de reînnoire. Aaron Betsky i-a încurajat pe participanții Bienalei să experimenteze, apelând la domeniile cinematografiei, artei, designului, arhitecturii peisagistice și performanței. Experimentele, a spus el, pot lua forma unor structuri temporare, precum și imagini „uneori obscure”.
Acesta din urmă pare a fi o parte importantă a conceptului lui Betsky. Incertitudinea este haos și din haos se presupune că se naște ceva nou. Să presupunem că principalul vis al fiecărui critic și teoretic nu este doar să descrie procesul observat, ci și să îl influențeze. Când se întâmplă acest lucru, în artă apar tendințe foarte puternice, fundamentate teoretic. Revenind la arhitectură, este ușor de observat că, după entuziasmul pentru apariția arhitecturii neliniare în ultimii ani, nu s-a întâmplat nimic special în ea, se conturează stagnarea. Bienala este cea mai influentă expoziție de arhitectură și nu este surprinzător faptul că Betsky și-a făcut încercarea de a „trezi” arhitectura modernă, de a crea haos, din care se așteaptă să iasă ceva nou. Totuși, haosul poate fi diferit - productiv și distructiv, haos de generație și distrugere (uneori, însă, unul se dezvoltă în altul). Haosul poate fi, de asemenea, natural, provenind din cauze naturale și, uneori, este artificial și se pare că haosul pe care curatorul a încercat să îl creeze la Bienala sa este doar artificial. Dar, indiferent dacă este sau nu productiv - va fi posibil doar cu timpul pentru a înțelege. Dacă așa, în zece ani, această Bienală va fi denumită un punct de reper - atunci ideea, fără îndoială, a fost un succes. Dacă nu, atunci a eșuat.
Între timp, nu putem fi ghidați decât de emoții. Pavilionul italian, dedicat în întregime arhitecturii experimentale, dă impresia unui haos plictisitor. Există multe expuneri (55), saturate cu texte și imagini mici, care sunt intercalate ocazional cu modele și instalații - împreună toate acestea se îmbină într-o masă dificilă pentru percepție, deoarece textele sunt foarte misterioase pe alocuri - aparent, pentru de dragul realizării chiar „uneori ambiguităților”. Pentru a dilua diversitatea experimentelor pentru tineri, precum și pentru a arăta exact cum ar trebui să experimentezi, printre ele s-au plasat sălile venerabilelor „stele” cu subtitlul „Experiment Masters”. Într-una dintre ele se află un tablou de Zaha Hadid, care este într-adevăr foarte asemănător cu avangarda anilor '20, dar doar puțin mai ornamental și, prin urmare, frumos - deși lângă aceste picturi, un covor realizat după motivele sale cumva pare prea potrivit pe podea. În cealaltă, există doodle de Frank Gehry, care a primit Leul de Aur anul acesta pentru „contribuția sa la viață”. Doodles - tradus ca „mâzgălituri”, ceea ce este desenat involuntar, dar în acest caz și cel care este modelat, pliat, mototolit cu diferite grade de involuntaritate - prototipuri ale arhitecturii lui Gehry - care, astfel, se naște din doodles. Dar cea mai vizibilă dintre toate este instalarea realizată de Herzog & De Meuron, realizată în colaborare cu artistul chinez Ai Weiwei: holul spațios de la intrarea în pavilion este ocupat în întregime de o structură de stâlpi lungi de bambus, la care sunt atașate bambusul. scaune, atârnând astfel în aer. S-a dovedit destul de aerisit și foarte misterios.
Expoziția de la Arsenal, unde Betsky a plasat instalații ale vedetelor pe care le-a invitat, creează un sentiment de haos, deloc plictisitor, dar puternic, foarte expresiv, sumbru și înfricoșător. Poate că acest lucru se datorează faptului că spațiul Corderi în sine este mare și întunecat, coloanele groase rotunde seamănă cu o catedrală romanică făcută grosolan, dar Corderi este mai lung decât catedrala, iar schimbarea sălilor la un moment dat pare nesfârșită. Iar instalațiile sunt mari, sunt înscrise pe o scară mare în acest spațiu, împrumutând de la acesta scara și domeniul de aplicare. „Stelele” nu au fost invitate degeaba, fiecare a funcționat profesional, instalațiile sunt solide, recunoscute și luminoase - Corderi s-a transformat într-o serie de imagini - într-o atracție expozițională. Acest lucru este bun pentru expoziție, dar nu foarte bun pentru intenția curatorului, deoarece printre manifestele actualei Bienale a apărut gândul că arhitectura-atracția nu este foarte bună, iar arhitectura ar trebui să se gândească la cum să ne facă să simțim că suntem în această lume „ca acasă”. Această idee - despre „a fi acasă” - este repetată de multe ori în textele lui Betsky și pare a fi una dintre cele mai importante. Dar instalațiile stelare nu evocă în niciun caz „sentimente de acasă”, ci mai degrabă generează anxietate.
O altă problemă este recunoașterea. Odată ajunși în Arsenal, stelele nu au experimentat în căutarea unor imagini vagi cu ceva nou sau diferit, ci dimpotrivă - fiecare a arătat că poate. Imaginile pot fi vagi undeva, dar sensul lor pare cumva același - toate acestea sunt un rezumat al conceptelor creative, rezultatul, nu începutul, trecutul, nu viitorul. Frank Gehry este foarte ușor de recunoscut: a construit un fragment din fațadă, similar cu Bilbao, din lemn și lut. Suprafețele concave sunt acoperite treptat cu lut, se usucă și se fisurează. Acest lucru se face încet, până la sfârșitul Bienalei din noiembrie, întreaga „fațadă” va fi acoperită cu argilă: așa se face ca instalarea să prezinte caracteristici de performanță, care este dinamică, dar aspectul este încă întors înapoi - analizând această performanță, vă amintiți de Bilbao și totul pare mare și un stand de expoziție spectaculos conceput pentru a prezenta cea mai vizibilă piesă din portofoliul lui Gehry. Același lucru se întâmplă și cu Zaha Hadid - și-a instalat următoarea formă fluidă în Arsenal, despre care este scris în explicație că este prototipul mobilierului. Dar Zaha Hadid proiectează mobilă atât de puțin probabilă de mult timp. Un obiect similar a fost instalat de Zaha în incinta Vila Foscari în cinstea a 500 de ani de la Andrea Palladio; dar ce este interesant - în interiorul Palladio sau în Arsenal - lucruri foarte asemănătoare, deci ce rost are? Greg Lynn a adăugat și ceva umor - făcând mobilier, dar din „jucării reciclate”. Jucăriile s-au dovedit a fi sculpturi strălucitoare, care, trebuie să spun, au ocupat cel mai puțin spațiu - pentru ei juriul a acordat „Leul de aur”.
În plus față de cele de mai sus, există multe imagini impresionante în Arsenal. Instalația dantelă de pânză de păianjen de Matthew Ritchie și Aranda Lush „Evening Line” arată frumoasă. Se compune în întregime din ornamente - parțial sculptate din metal, parțial alcătuite din umbre și proiecție video, inscripționate într-un model metalic pe perete. Ce înseamnă acest lucru nu este clar (care a fost scopul?), Dar pare tentant și relevant - acum arhitecții adoră ornamentele. Unstudio a plasat în Corderi un obiect voluminos de mărimea unei camere mici, curbat ca o bandă Mobius - acest obiect se remarcă prin faptul că poate fi introdus în interior. Obiectul familiei Fuchsas, dimpotrivă, este conturat printr-o linie galbenă, care este recomandat să nu fie traversată (pe care nimeni nu o observă): acestea sunt două camionete verzi uriașe cu ferestre mici prin care puteți vedea scene de zi cu zi în stereo format cinematografic. Dealerul și Scorfidio s-au comportat foarte ușor - instalarea lor compară videoclipurile cu două Veneția - un american real și o jucărie din Las Vegas. Nu este clar cum dezvăluie tema Betsky, dar la Veneția arată minunat, iar scaunele sunt ocupate constant. Barkow Leibinger a construit o „grădină nomadă” din țevi metalice tăiate cu laser - datorită omogenității materialului și simplității soluției, în opinia mea, aceasta este una dintre instalațiile notabile ale Arsenalului. Dar Philip Rahm a atras atenția asupra instalării sale prin faptul că în primele zile ale expoziției (nu știu cum mai târziu) erau doi oameni goi așezându-se acolo, iar alături de ei, patru oameni îmbrăcați hipish jucau un fel de muzică pentru chitară: proiectul este dedicat încălzirii globale, dar aici urmează? Din goliciune?
Deci, partea expoziției, concepută pentru a răspunde apelului curatorului, constă din 55 de mici expoziții în pavilionul italian și 23 de mari instalații în Arsenal. Toți împreună se adaugă la o încercare de a trezi arhitecții - de la practica comercială la fantezii „de hârtie” - de dragul reînnoirii, o schimbare, în general, nașterea a ceva nou. Pavilionul Italiei reprezintă, potrivit curatorului, atât trecutul, cât și viitorul acestui proces: expoziții pentru tineri - speranță pentru viitor, expoziții retrospective ale maeștrilor - un fel de manual despre modul de experimentare. Toate acestea sunt completate de articolul lui Bezki despre istoria experimentării moderniste de după război - originile sale curatorul urmează criza politică din 1968 și criza energetică din 1973. Becki numește nume, construiește o poveste și invită tinerii arhitecți să o continue. Expoziția Arsenal, pe de altă parte, face același apel pentru experimentare venerabililor maeștri - în teorie, întreaga comunitate arhitecturală ar trebui, prin urmare, să fie implicată în procesul de creare a „mâzgăliturilor” - din care să apară o nouă explozie de o nouă întorsătură, ar avea loc ulterior. Deci ce se întâmplă? Expoziția pentru tineri sa dovedit a fi superficială și suprasaturată (deși, dacă se dorește, puteți vedea lucruri interesante în ea) - și „steaua”, în loc de dinamică și noutate, a reprodus tehnicile proprii „stelelor”. Impulsul de a injecta artificial haos creativ în arhitectură pare să fi eșuat. Poate pentru că este artificial? Deși - așa cum s-a spus deja - abia după zece ani va deveni în cele din urmă clar dacă această încercare a dat cel puțin unele roade și dacă a dus la o schimbare. Între timp, uitându-ne la expunere, pare puțin probabil.
Dar iată ce e ciudat. Nu este clar dacă Betsky i-a trezit pe arhitecți. Dar forțele naturale, trebuie să gândim, s-au trezit. A fost ușor de observat că ceremonia de deschidere a Bienalei, al cărei curator în manifestul său a afirmat că nu este cel mai important lucru din lumea noastră să ne protejăm de ploaie, a căzut pe o astfel de ploaie care se întâmplă rar la Veneția. Din cauza acestei ploi, deschiderea a trebuit mutată de la Giardini la Arsenal - și o mulțime de jurnaliști umezi și înghețați stăteau în fața intrării. Dar asta nu ar fi încă nimic. Deci, la urma urmei, argumentând despre importanța problemelor economice și a altor probleme pentru dezvoltarea gândirii conceptuale, curatorul curentei Bienale, aparent, nu numai ploaia, ci și criza a înșelat. Criza este evidentă. Așteptăm experimente.
Botanici și nomazi
În timp ce interpreta subiectul său confuz pentru public și participanții la Bienală, curatorul Aaron Betsky a vorbit în principal apofatic, adică din contră. Nu o clădire, pentru că este un mormânt de speranțe umane și resurse naturale, nu o utopie sau o soluție abstractă la problemele sociale - ci imagini și enigme la care să visezi. El a cerut să depășească construcția și arhitectura ca disciplină - și să experimenteze. Dar nu a spus exact unde să meargă, păstrând misterul enigmatic.
Toată lumea a reacționat la acest mister în diferite moduri, cu cinema, design și mobilier. Mulți critici au considerat Bienala de arhitectură prea asemănătoare cu Bienala de artă contemporană și astfel și-au pierdut specificul profesional. După ce ați depășit cadrul, nu numai că puteți câștiga, dar și puteți pierde - aceasta, în general vorbind, este o ocupație interesantă, dar și periculoasă - de a trece frontierele.
Cu toate acestea, cel mai evident mod de a răspunde la subiect s-a dovedit a fi cel mai simplu: doar părăsiți clădirea. Ar fi curios dacă sălile expoziționale ar fi rămas deloc goale și expozițiile ar fi distruse afară, dar Bienala încă nu a atins un asemenea grad de literalism. Cu toate acestea, în ceea ce privește evadarea din arhitectură în natură și construcția de acolo, în exterior, a diferitelor „structuri temporare”, arhitecții ar putea apela la bogata experiență a locuitorilor sovietici de vară - au fugit și ei de la declinul modernismului și, după ce au scăpat, au stabilit sus o grădină de legume.
Cea mai mare grădină de legume de la Bienală a fost construită de Gustafsons. O parte din vegetația sălbatică acoperită cu liane din Grădina Fecioarelor, situată la marginea Arsenalului, pe locul unei mănăstiri benedictine în ruină - a fost cultivată prin proiectul britanico-american „prin Paradis” (spre paradis). Varza, ceapa și mărarul (simboluri ale satietății) sunt intercalate cu flori, în centrul compoziției există un deal curbând ca un melc, acoperit cu iarbă îngrijită. Melcul de plante medicinale este menit să fie un loc de privit, cu perne așezate pe ea, dar într-o zi ploioasă de deschidere, doar bile albe pluteau deasupra peluzei deluroase. Mai mult, în vechea capelă (sau biserică?), Lumânările sunt așezate pe rafturi de-a lungul pereților, iar numele latini ai animalelor și plantelor dispărute sunt scrise pe pereți (sunt destul de puține). Trebuie admis că acest proiect peisagistic este cel mai ambițios la Bienală. De dragul lui, au tăiat chiar și câțiva copaci vechi, ceea ce nu este binevenit în Veneția.
Apropo, tema Paradisului se potrivește bine în curatorial „acolo” și „dincolo” - nu există nimic mai mult din lume decât Paradisul. Se dezvăluie în felul său în pavilionul german: merele cresc pe ramuri înfipte în ghivece, picături cu lichid verde sunt atașate de ramuri. Nu se explică dacă fructele în sine au crescut pe butași subțiri și cum s-a realizat acest lucru, dar expunerea simbolică este însoțită de argumentul potrivit căruia oamenii, încercând să creeze un paradis pe pământ pentru ei înșiși, distrug ecosisteme întregi de dragul acestui paradis tehnogen.. Merele sub picături ar trebui să reprezinte probabil un paradis creat de om.
Pavilionul Japoniei este înconjurat de flori, așezate în structuri efemere care seamănă cu contururile turnurilor împletite cu verdeață. Acestea sunt scheme ale clădirilor cu mai multe etaje locuite de vegetație - sunt, de asemenea, descrise în interiorul pavilionului pe pereți în creion. În plus față de desene, nu există nimic altceva în pavilion - este complet alb, ca un fel de foaie de hârtie răsturnată în interior. Mulți oameni au plăcut acest pavilion laconic și contemplativ într-un mod sintactic.
Grădina americană de legume este mai mică și nu atât de profundă, dar socială - este dedicată, în special, creșterii copiilor prin grădinărit (acest tip de educație se practică acum în multe mănăstiri din țara noastră). Americanii au ascuns dorica imperială a fațadei după o plasă translucidă, au amenajat o grădină de legume în fața colonadei și au umplut pavilionul cu tot felul de proiecte sociale. O „ecotopedie” foarte serioasă și diversă, o enciclopedie a problemelor de mediu, este desfășurată în pavilionul danez.
Tema mediului este, de asemenea, populară printre proiectele experimentale din pavilionul italian. Ideile, cu toate acestea, sunt în mare parte familiare: orașe verzi, unde există o pădure dedesubt, și tehnologie și civilizație „pe al doilea nivel” și zgârie-nori verzi, dintre care unul este deosebit de vizibil - Julien de Smedta, un proiect destinat chinezilor orașul Shenzhen, situat pe continent, vizavi de Hong Kong. Acesta este un zgârie-nori gigantic, locuit în mod egal de oameni și verdeață, care, potrivit autorilor, ar trebui să înlocuiască munții împădurite dispăruți în această zonă, devenind un mare munte creat de om. Indiferent de ceea ce spune înțeleptul de la Cincinnati despre beneficiile inspirațiilor vagi, un proiect real pare foarte avantajos pe fondul lor.
O altă modalitate de a scăpa „din clădire” este să mergi la colibă. În mod ciudat, el nu este foarte popular, dar este apropiat de noi în spirit. Principala „colibă” sub forma unei iurte a fost construită pe terasamentul Arsenalului de către Totan Kuzembaev și plasată în interiorul unei mașini mici. Ideea este de a combina accesoriile nomade din două culturi - antică și modernă. Din civilizația modernă, în interiorul iurtei există diverse accesorii tehnice, telefoane mobile, laptopuri etc., utilizate nu pentru scopul lor, ci ca atribute ale unui șaman. Pentru a supraviețui în lumea modernă - scrie Totan Kuzembaev în explicația la „Nomad”, trebuie să vă adaptați. Și atunci fie va apărea ceva nou, fie globalismul va înghiți totul, ceea ce va fi trist - conchide el.
Pe de altă parte, între Arsenal și paradisul lui Gustafson, arhitecții chinezi au construit mai multe case diferite - din cutii, placaj, panouri dure - casele sunt mari, cu trei etaje, dar în interior este incomodă și îngustă, ca într-un tren. Cabana de pergolă construită de Nikolai Polissky pe terasa pavilionului rus se încadrează, de asemenea, în același rând - o structură frumoasă, dar, din păcate, nu foarte vizibilă datorită faptului că este situată pe latura lagunei.
Există, de asemenea, un mod mai abstract de a pleca - de exemplu, de la formă la sunet și video. Iată un frumos și complet arhitectural pavilion al Greciei, format din piedestale interactive cu monitoare și căști cu sunetele orașului. Este întunecat, cu fire de plastic strălucitoare agățate.
Și, în cele din urmă, puteți scăpa de arhitectură golind pavilionul - acest lucru a fost făcut în pavilionul din Belgia, unde confetti colorate sunt împrăștiate pe podea („După petrecere”), sau în Cehoslovacia, unde există frigidere amuzante cu mâncare seturi pentru diferite personaje.
Majoritatea participanților au interpretat cu sârguință subiectul, dar există și minuni - cei care, contrar motto-ului, arătau încă clădirile. La urma urmei, pavilioanele naționale nu trebuie să urmeze tema. Mare este pavilionul Regatului Unit, unde o expoziție costisitoare, realizată cu grijă, este dedicată a cinci arhitecți care construiesc locuințe în orașele britanice. Se pare că acum în Marea Britanie - patria orașului-grădină și noi tipuri de locuințe la începutul secolului al XX-lea - se construiesc din ce în ce mai puține locuințe. Pavilionul Franței este umplut cu multe modele: fiecare dintre ele este plasat într-o cutie de plastic transparentă și atașat la perete cu o consolă mobilă - puteți răsuci modelele în timp ce le priviți. Arhitectura Spaniei este, de asemenea, prezentată în detaliu și în mod tradițional - cu imagini și modele. Pentru prima dată în mulți ani, acest rând include pavilionul rusesc, despre care - puțin mai târziu.
Ruși în Veneția
S-a întâmplat că printre oamenii cu care am putut vorbi la Veneția, jurnaliștii au evaluat conceptul lui Aaron Betsky în cea mai mare parte pozitiv, în timp ce arhitecții mai ales negativ. Există, desigur, excepții, dar în ansamblu este evident - arhitecții vin la Veneția pentru a privi arhitectura, iar absența ei aproape completă nu a fost cea mai plăcută surpriză pentru ei.
În pavilionul rusesc, totul s-a întâmplat invers: nu sunt prezente providențe vagi, ci clădiri, multe clădiri. Anterior, când proiectele și realizările erau expuse la Bienală, instalațiile erau amenajate în pavilionul rus, iar acum, când s-a decis în cele din urmă să arate arhitectura reală, Aaron Betsky a formulat exact „sarcina” opusă. Cu toate acestea, tema nu este obligatorie pentru pavilionul național … Ar fi trebuit să aruncăm pentru prima dată ideea de a arăta o felie de arhitectură rusească reală și de a ne adapta la motto? Greu de spus. Dar, strict vorbind, este evident că tema stabilită de Betsky pentru Bienală corespunde situației unei anumite plictiseli și satietate cu „stele” care s-a dezvoltat în arhitectura lumii. Și tema, pusă de curatorul pavilionului rus, Grigory Revzin, este în concordanță cu situația boom-ului construcțiilor din Rusia. Iar expoziția reprezintă destul de precis un instantaneu al arhitecturii rusești de astăzi. Inclusiv variația și aglomerarea caracteristică acesteia, creșterea activă, vitală și nu foarte controlată a diferitelor clădiri.
Expoziția cuprinde două părți. Etajul superior este ocupat de proiecte și clădiri moderne - are trei hale, una principală și două suplimentare. Designerii Vlad Savinkin și Vladimir Kuzmin le-au decis în trei culori diferite: prima sală, care afișează catalogul electronic, este albă, a treia sală - conține dezvoltatori, este neagră, iar sala centrală principală este roșie. Podeaua sa este căptușită cu celule de șah, cele roșii sunt clădirile arhitecților ruși, cele albe sunt modelele realizate după proiectele construite de străini în Rusia. Conform ideii curatorului, între modelele de ruși și străini are loc un joc de șah condiționat - accentuând tema competiției dintre arhitecții „locali” și „extratereștri”.
A doua parte a expoziției este structurile din lemn ale lui Nikolai Polissky, nu încă arhitectură, ci, așa cum este definită de curatorul pavilionului rus Grigory Revzin, o expresie a visului peisajului rus. Lucrările lui Polissky pătrund în pavilionul rus - în holul de la primul etaj formează o pădure subțiată de pete de lumină. În același loc, în sala următoare, sunt prezentate principalele lucrări ale lui Polissky și - videoclipuri - procesul de creare a acestora de către forțele unei echipe bine coordonate de rezidenți ai satului Nikolo-Lenivets. Bazat pe primul etaj, structurile lui Polissky continuă să crească peste tot - sub forma unui arc improvizat în fața intrării, a pergolelor pe terasă (așa-numita „dincolo de clădire”) și chiar și picioarele de la masă din holul dezvoltatorului sunt făcut din aceleași trunchiuri strâmbe.
Trebuie admis că desenele lui Nikolai Polissky diferă semnificativ de alte proiecte peisagistice ale Bienalei și nu numai prin faptul că le lipsește complet tema „paradis” a unei grădini-grădini, iar materialul este sălbatic, natural, abia curățat. Sunt mult mai aproape de natură decât proiectele ecologice, care, de fapt, aparțin într-o măsură mai mare lumii tehnologiei. „Pădurea” lui Polissky este un pic sălbatică și înfricoșătoare, deși în interiorul pavilionului îi lipsește scara - nu există unde să te întorci. Dar trebuie să înțelegeți că aceasta este o pădure de „export”, un goblin în turneu. În Nikolo-Lenivets, proiectele peisagistice ale lui Polissky sunt atât mai mari, cât și mai vitale.
Anul acesta rușii au participat la toate părțile principale ale Bienalei. Totan Kuzembaev, care a câștigat recent locul al doilea în competiția pentru un pod peste Marele Canal venețian, a fost invitat de Aaron Betsky să participe la expoziția curatorială a Arsenalului și a construit iurta deja menționată pe strada din fața sa. Boris Bernasconi, care a împărțit recent primul loc în competiția internațională pentru Muzeul de Artă Perm cu Valerio Olgiati, a fost invitat să curateze expoziția de la pavilionul italian - și a folosit această invitație pentru a lupta împotriva proiectului Orange al lui Norman Foster. Trebuie să spun că Aaron Betsky la conferința sa de presă a menționat separat proiectul lui Bernasconi și l-a lăudat foarte mult în sensul că tânărul arhitect a îndrăznit să protesteze împotriva lui Foster însuși.
Ajunsă la Veneția, expoziția Maternității (organizată de Yuri Avvakumov și Yuri Grigoryan) s-a transformat într-un proiect foarte frumos. Expoziția a fost prezentată pentru prima dată la Moscova la galeria VKHUTEMAS, apoi la Sankt Petersburg. Trebuie să spun că la Bienală expoziția, care fusese inventată cu un an mai devreme, s-a dovedit a fi foarte utilă: constă din embrioni sculpturali de arhitectură, interpretări ale temei nașterii, produse de arhitecți, printre care sunt mulți ruși., dar mulți străini. Aș îndrăzni chiar să sugerez că aici ideea principală a lui Betsky este exprimată, dacă nu mai precis, atunci mai succint decât în Arsenal. Găzduită în biserica venețiană San Stae, expoziția s-a transformat semnificativ: toate exponatele au fost plasate în celule din interiorul pereților unei case de carton cu pereți perforați. Această clădire este asemănată cu un relicvar al bisericii și, în același timp, cu un leagăn de naștere. Evoluția expoziției pare a fi foarte logică. Mai mult, se pare că Veneția însăși a jucat un rol aici - un oraș în care aproape fiecare perete poartă o carcasă cu icoane cu o icoană sculpturală. Din ceea ce orașul pare a fi consacrat în ansamblu - o calitate care a fost deja pierdută de alte orașe europene - și chiar brutala „Maternitate” de aici se transformă într-o naștere de Crăciun. Veneția este un oraș minunat.
