Ați văzut vreodată cum sunt desenate seturile? - O mulțime de ce?
- Și nimic, doar multe …
Lewis Carroll, Alice în Țara Minunilor
Trebuie să ne gândim că curatorul Aaron Betsky a traumatizat profund bienala arhitecturală în 2008 - pentru a doua oară motivul expozițional este o revenire la arhitectură. În interpretarea curatorului din acest an David Chipperfield, sarcina principală a fost „convingerea din nou a tuturor de existența unei culturi arhitecturale, creată nu de genii individuali (citiți: stele), ci de o comunitate cu o istorie comună, ambiții comune, premise și idei. În consecință, curatorul a dat tuturor participanților invitați la programul principal al Bienalei o sarcină dificilă: să-și arate cel mai important lucru, să găsească sensul profund (să-l facă plin de sens). Cu alte cuvinte, căutați rădăcini, identificați sursele și componentele inspirației dvs., ideile și imaginile cheie, materia originală a operei lor. Pentru a combina apoi răspunsurile găsite și a vedea cum vor interacționa pe un teren comun comun, ceea ce înseamnă în acest caz - în spațiul expozițional.
Tema terenului comun al Bienalei, sugerată lui Chipperfield de către profesorul de sociologie Richard Senett, este deja interpretată în manifest într-o manieră ambiguă și multistratificată, oferind participanților o mai mare libertate. Primul strat este cel mai ușor de înțeles - acestea sunt spații publice. Dar nu doar spațiile publice din unele birouri și supermarketuri, Chipperfield prevede imediat, ci „cele mai subtile semitonuri” dintre privat și public, rezultatele luptei eterne a individului și a generalului. A doua dintre interpretările subiectului propus în manifestul curatorial este interacțiunea unui arhitect cu profesii conexe („arhitectura necesită muncă în echipă”, scrie Chipperfield). Și, în cele din urmă, al treilea strat este cel mai subțire - fundalul cultural și istoric, pe care îl avem cu toții într-un fel sau altul în comun.
La intrarea în Corderi suntem întâmpinați de un perete alb peste holul gol, o fântână venețiană de piatră în fața sa și câteva expoziții mici, la prima vedere, complet selectate aleatoriu: trei comparații formale simple, însoțite de o scurtă atenție de la Bernard Chumi; un ziar expozițional dedicat Veneției cu interviuri cu locuitorii din zonă; și cel mai amuzant Monument la modernism, un „colaj tridimensional” de capodopere din secolul XX (inclusiv Clubul Melnikov al lui Rusakov), inventat de arhitectul Robert Burchart în 2009 pentru o locație foarte specifică din Berlin. Trei proiecte de expoziții mici (sincer, nu cele mai semnificative la această Bienală) nu sunt deloc conectate. Singura conexiune dintre ele este spațiul comun al holului și terenul comun scris pe perete. Sunt diferite, aceste proiecte, dar coexistă și există inevitabil unele legături între ele.
Această primă cameră ciudată este de fapt cel mai clar manifest al întregii expoziții a lui Chipperfield. Mai departe de-a lungul Corderi va fi același: alternanță, cartier și un amestec de mari și mici, spectaculoase cu informative, formale cu complot, tineri arhitecți cu constructori indieni vechi, obscuri, cu celebre stele britanice - lista este aproape interminabilă. Curatorul David Chipperfield pare să-și fi propus să adune aici un spectru al diversității lumii arhitecturale, probabil pentru a ieși colectiv din aparenta criză a gândirii arhitecturale. Arca, nu altfel. Există cel puțin o copie a fiecărei creaturi aici.
Trebuie să spun că prima sală arată puțin înfricoșătoare: arată ca o expoziție supranumerară, care nu avea suficient material pentru a surprinde privitorul. Mai departe (în spatele peretelui) urmează o bucurie severă a fotografiilor lui Thomas Strut, care nu scutește imediat spectatorii de suspiciunea înfricoșătoare că li se vor arăta doar imagini încadrate și machete de carton aici și mai departe în toată Corderie. Dar situația este diferită: absolut uimitor, dacă le priviți cu atenție, fotografiile lui Strut formează de fapt „nucleul” întregii expoziții curatoriale a Arsenalului - expoziția sa este împărțită în patru părți, care se găsesc apoi în cele mai neașteptate locuri. Se numește „Locuri inconștiente” și prezintă tipurile de spații urbane „formate istoric”, dintre care, după cum știți, majoritatea din lume: de la periferia Sankt Petersburgului în perioada eclectică, periferia haotică a Lim, și către clădirile stranii cu mai multe etaje ale orașelor asiatice.
Deci, expoziția este construită, de fapt, foarte clar, chiar și într-un mod clasic: după un scurt manifest introductiv, urmează începutul expoziției „pivot”. În sala următoare - impactul senzorial al instalației lui Norman Foster: un spațiu întunecat, unde pe podeaua neagră, târându-se pe prafurile coloanelor lui Corderi, proiecția numelor arhitecților de la Hippodamus la Eisenmann clipește (urmând principiul diversității, există multe nume ale celor puțin cunoscute). Numele arhitecților sunt sub picioare, precum pietrele funerare ale umililor stareți din bisericile catolice. Adevărat, spre deosebire de plăci, aceste nume sunt atât de mobile încât, dacă le privești mult timp, îți va roti capul. Deasupra, pe ziduri, însoțite de valuri de zgomot sau liniște, fotografii pâlpâie, colectate în mai multe grupuri tematice: revoluții (inclusiv Maidanul și Femenul ucrainean), rugăciuni, ruine, consecințele dezastrelor, unele clădiri spectaculoase - gama vizuală este impresionant și obligă să inspecteze. Această sală este cu siguranță primul acord al simfoniei.
O alternanță similară: săli emoționale luminoase, mono-săli ale unui obiect și, în cele din urmă, săli, aproape umplute până la refuz cu mici expoziții - continuă în Arsenal și nu numai. S-ar putea crede că Chipperfield a preluat instalații figurative din Bienala Shojima, din Bienala Betsky, obiecte voluminoase, a diluat toate acestea cu expoziții „obișnuite de arhitectură” - și a făcut ca participanții și spectatorii să caute sens în toate acestea. Ceea ce nu este rău, pentru că m-a făcut să gândesc. Expoziția nu este foarte distractivă (deși este, există o varietate), vă face să citiți și să priviți cu atenție, să căutați un concept cheie și să vorbiți despre cât de mult este dezvăluit. În sala lui Foster, de exemplu, este dezvăluit literalmente: numele arhitecților se ciocnesc și se agită pe un teren comun. Dar nu numai, desigur. Aceasta este o instalare foarte integrală care include toți spectatorii într-o experiență comună de sunet și imagini.
Sala neagră din Foster este urmată de sala comunală a mai multor participanți: campusul - sediul companiei farmaceutice Novartis din Basel, Elveția, este prezentat cu modele. În apropiere se află o expoziție personală în miniatură a arhitectului elvețian Luigi Snozzi, în vârstă de 80 de ani, care „a consacrat patruzeci de ani muncii pentru binele public” și o proiecție video a proiectului Pilgrim's Way, în care tinerii arhitecți mexicani au creat o serie de platforme de vizionare, capele și adăposturi de-a lungul traseului pelerin de 117 kilometri până la imaginea Fecioarei Maria din Talpa. Singurul accent major din această cameră este obiectul „Navă” („vas” sau „navă”) al arhitecților irlandezi Sheila O'Donell și John Twomey, un foișor din lemn realizat din scânduri de lemn „pentru contemplare” (în această calitate este un pic ca „Urechea”, construită de Vlad Savinkin și Vladimir Kuzmin în Nikolo-Lenivets). Într-un cuvânt, varietatea este evidentă.
Apoi, are loc o pauză artistică în sala mică a arhitectului suedez Peter Märkli și a colegului său Steve Roth. Mai multe figuri sculpturale din metal sunt așezate aici, în jurul cărora cea mai valoroasă dintre ele, Femeia venețiană VIII a lui Alberto Giacometti, este înconjurată de un paznic. Semnificația instalației este destul de clasică: o comparație a unei figuri umane (care, totuși, este ghicită în sculpturile prezentate după o anumită tensiune) cu o coloană: arhitecții au plasat figurile la intersecția liniilor drepte imaginare care leagă coloanele sălii. diagonal. Deși acest design subtil poate fi luat în considerare numai în conformitate cu schema atașată - un vizualizator mai puțin atent va considera că figurile sunt pur și simplu aliniate în calea sa și pot chiar să le înconjoare cu enervare, aruncând o privire la gardă și neapreciind sofisticarea Giacometti. Între timp, ideea Sălii Märkli seamănă cel mai mult cu precedenta Bienală Shojima: semnificația sa este de a reflecta arhitectura Arsenalului, este o temă bienală nesfârșită, deși ideea nu se limitează la ea: prezența unui complotul proporțional clasic este mai important aici.
Apoi începe distracția: clasici germani, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron și obscuri constructori indieni cu squatters venezueleni. Vom vorbi despre ele puțin mai târziu. Păstrați pentru actualizări.
