Sergey Estrin:
- Este dificil să se stabilească un criteriu clar pentru evaluarea nivelului lucrării grafice. Dacă începeți de la opus, de la ceea ce nu vă place, atunci cu siguranță nu vă place când desenatorii talentați reproduc fotografii. Astfel de elemente grafice sunt izbitoare doar prin faptul că transmit imagini cu cea mai mare precizie, imaginile sale arată ca cele vii. Pentru mine, acesta nu este cu siguranță un criteriu de selecție. Este important pentru mine că, atunci când mă uit la o lucrare, am imediat dorința de a mă gândi la ea. Astfel încât să apară o gamă întreagă de imagini asociative, aluzii, chiar senzații și emoții. Îmi place când începeți să urmați linia, cum conducea autorul și îmi place să mă gândesc de ce a făcut-o în acest fel și nu altfel. Este cam același lucru cu arhitectura - sunt fascinat de clădirile ambigue, când te poți bucura de unghiuri diferite, imagini și descoperiri diferite …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Îmi plac grafica lui foarte mult. Este foarte diferit. Bunin a avut, de exemplu, o perioadă în care a pictat în pete. În copilărie aveam cărți cu ilustrațiile sale. Îmi amintesc ilustrațiile sale uimitoare pentru Pușkin. Îmi place foarte mult modul în care a lucrat cu versurile lui Omar Khayyam. Sau acest desen: prin vioiciunea liniei, prin subevaluare - aceasta este o lucrare interesantă. Bunin nu are nevoie să deseneze întreaga figură, întregul volum, acest lucru este de prisos - linia în sine, modul în care merge și transmite semnificația imaginii. Undeva se pare că mâna a tremurat, linia se rupe - dar asta nu pentru că artistul este slab, ci pentru că este necesar să transmită sensul. Și acum te uiți la această linie - intermitentă, nervoasă, diferită ca grosime - și spune tot ce este necesar. Pentru mine acesta este cel mai înalt nivel, grafică absolut uimitoare. Mai mult, sunt sigur că Bunin a pictat acest lucru fără niciun fel de pregătire, modelul cu greu i-a pozat. Încerc în mod deliberat să repet acest mod de a desena linia, desenez munți așa … În acest mod - în jumătăți de linie - mulți artiști încearcă să deseneze, dar nu toți reușesc. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
M-am familiarizat cu munca lui la institut. Noakovsky - arhitect și grafician rus-polonez, a trăit la începutul secolelor XIX-XX, înainte de revoluția pe care a predat-o la Școala de pictură, sculptură și arhitectură din Moscova, a fost membru al Academiei Imperiale de Arte. A fost un mare acuarelist, a pictat monumente arhitecturale. Elevii l-au adorat. O fotografie a supraviețuit unde desenează cu cretă pe o ardezie în timpul unei prelegeri, explicând stilurile arhitecturale. Îmi imaginez clar cum arată mai întâi ceea ce distinge, să zicem, stilul rococo - proporții, elemente, combinații, raportul dintre cântarele pereților și decor. Și le face totul rapid, cu câteva lovituri, dar în așa fel încât esența să fie captată. Adică la un nivel foarte artistic și profesional. Îmi pot imagina cât de supărat a fost pentru studenți când a spălat un lucru și a început să deseneze altul, poate nu mai puțin strălucitor …
Același lucru este în aceste acuarele: principalul lucru este transmis aici. Noakovsky nu avea nevoie să deseneze fiecare detaliu, fiecare ușurare, ca și cum ar fi copiat o fotografie. În schimb, el se concentrează asupra esenței: ea transmite spațiu, putere, ritm, proporții, impresii din ele. Acest lucru este foarte asemănător cu modul în care funcționează memoria noastră în general - lucrurile mici sunt șterse, lăsând o imagine comună care ne-a impresionat. La fel și Noakovsky - el înțelege întreaga imagine. O abordare foarte arhitecturală, foarte corectă, după cum mi se pare, a desenului. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Sincer să fiu, nu totul mă atinge în opera lui Piranesi. Monumente antice, priveliști ale Romei, peisajele sale arhitecturale nu mă fac să mă simt puternic. Este foarte bine făcut, gândit, verificat, dar nu te face să îți faci griji. Și cu totul altceva este fanteziile sale pe tema închisorilor, „Temnițele” sale - o serie de 16 foi. Nebunii arhitecturale, complet imposibile în realitate, în care nu se mai limita la nimic. În aceste foi, el a construit o lume transcendentală, complexă, fascinantă, mistică, incitantă. Odată am cumpărat o carte întreagă pentru câteva reproduceri din Temnițele lui Piranesi. Aceste lucrări sunt foarte personale, emoționale și, cel mai important, foarte moderne, deși au fost publicate pentru prima dată la mijlocul secolului al XVIII-lea. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Tatăl lui Alexander Brodsky. Absolvent al Institutului de Arhitectură din Moscova. Și în grafica sa de carte, într-adevăr, se simte un arhitect. Există un contrast, proporții, un fel de severitate, desigur, un sentiment de linie și formă - toate acestea împreună fac o impresie puternică. El știe cum să dea cu brio subiectul - uită-te la aceste capete strigătoare, sunt atât de multe, încât se pare că deja le poți auzi, simți fizic râsul. Figurile lui Don Quijote și Sancho din centrul acestei mări de capete sunt desenate de parcă ar fi fost realizate de un sculptor. Grafică foarte bună. Pentru ilustrațiile lui Don Quijote, Savva Brodsky a primit o medalie de aur la Târgul de Carte din Moscova și a fost ales Academician corespondent de Academia Regală Spaniolă de Arte Frumoase.
Și foile sale pentru Romeo și Julieta sunt, de asemenea, uimitoare și foarte arhitecturale. Acest lucru este dovedit chiar de faptul că aceasta este o serie - adică autorul stabilește ritmul și, prin urmare, lucrează ca arhitect. Există axe, o perspectivă care se extinde în infinit și figuri sculpturale care stabilesc scara acestei colonade și a navei. Foarte frumos. Brodsky știe să transmită punctul de vedere al unei persoane care privește giganții. Ca arhitect, înțeleg absolut totul aici, poate de aceea îmi place. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
Artistul austriac, student al lui Klimt, după moartea sa a fost de fapt artistul numărul unu din Austria, dar a murit la vârsta de 28 de ani dintr-o femeie spaniolă. Are multe tablouri și câteva mii de desene. Munca sa este foarte interesantă. Talent uimitor. Ambele recunoscute și diverse. Poate, dacă ar fi trăit o viață lungă, ar fi devenit sculptor, pentru că lucrurile sale sunt foarte sculpturale și poate chiar arhitect … El vede foarte corect, înlătură lucrurile inutile și adaugă o emoție neobișnuit de ascuțită. Are o linie incredibil de minunată, ca un nerv gol. Pictura sa este inseparabilă de grafică. Chiar și lucrurile care sunt pictate sunt absolut grafice.
Portretele sale nu sunt în niciun caz o caricatură, nu o caricatură, unde încearcă, de asemenea, să surprindă principalul lucru. De asemenea, schimbă puțin proporțiile, le întinde. Schiele are o școală minunată, știe cu siguranță atât proporțiile, cât și anatomia, dar știe să le ascuțească și să le transmită în așa fel încât fiecare linie să înceapă să sune cu un nerv întins, aproape că îl auzi.
Iar desenele sale arhitecturale, care sunt mult mai rar publicate decât portretele, sunt pur și simplu magnifice prin simplitatea lor. Și aici vede și principalul lucru. S-ar părea că cele mai obișnuite case, nimeni nu s-ar gândi să le prindă. Dar câteva accente - și de la ele veți recunoaște începutul anilor 1900, starea de spirit a modernității, deși nu există o singură linie din modernitate, din art nouveau aici. ***
