Stepan Lipgart: „Este Corect Să-ți Apleci Propria Linie”

2024 Autor: David Durham | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 02:43

O familie

Wikipedia scrie că Lipgarts este o familie a nobilimii Ostsee, cunoscută în Livonia încă din secolul al XVI-lea, iar în secolele XIX - XX acest nume de familie a fost purtat de artiști, ingineri și designeri de submarine. Care dintre ei sunt strămoșii tăi?

Părinții mamei mele erau veri al patrulea unul cu celălalt, amândoi nege Lipgarts, descendenți ai vechiului nume de familie al germanilor baltici, imigranți din Pernau (acum Pärnu, Estonia), care odinioară aveau cu adevărat un titlu de nobilime. Cu toate acestea, strămoșii mei au pierdut-o la începutul secolului al XIX-lea. Bunicul bunicii mele, Ernest Lipgart, inginer de formare, a moștenit de la tatăl său o mare întreprindere dedicată producției de ciment și mașini agricole. Fiul său Voldemar (Vladimir) a studiat pentru a fi arhitect, dar a preferat calea unui artist. Soarta lui a fost tragică, la sfârșitul anilor '30 a „dispărut”: așa cum sa dovedit în ultimii ani, a fost împușcat pe terenul de antrenament Butovo. Bunica mea, și ea artistă, a fost exilată de la Moscova la Karaganda la începutul războiului ca germană.

Tatăl bunicului meu, inginerul Andrei Aleksandrovich Lipgart, este un reprezentant al unei alte ramuri de familie, șeful unei familii numeroase și puternice, o personalitate remarcabilă. În 1933, a devenit proiectantul șef al fabricii de automobile Gorky, unde în decursul a aproape douăzeci de ani a creat zeci de modele de echipamente auto. Meritele și realizările lui Andrei Alexandrovici au fost recunoscute în principal în epoca sovietică, prin urmare, de exemplu, autoritatea sa a fost suficientă pentru a salva o rudă îndepărtată, bunica mea, din exil. Așa a avut loc cunoașterea lor cu bunicul meu.

Privilegiile străbunicului meu din anii 1950: o căsuță mare la țară și un apartament într-un zgârie-nori stalinist, au devenit spații în care s-a petrecut și cea mai bună parte a copilăriei mele. Atmosfera festivă a întâlnirilor de familie - solemnă, dar și sinceră, care a avut loc într-un apartament luminos, cu tavane înalte, mulaje bogate din stuc, uși lambrate, din care Moș Crăciun a apărut invariabil în Anul Nou - a devenit aparent o impresie care a determinat gusturi și preferințe estetice de ani de zile …

Ce ți-a influențat decizia de a deveni arhitect, pe lângă ingineria și genetica artistică?

Mi se pare că un arhitect nu este întâmplător - o profesie care este adesea moștenită. În cazul meu, influența mamei mele este, fără îndoială, care, deși a fost angajată toată viața nu în arhitectura practică, ci în teorie, dar din copilărie a explicat că profesia noastră este cea mai bună, universală, în ea - creativitatea, gândul și frumusețea și arhitectura Moscovei - un loc de grație rară.

Vocaţie

Care dintre profesorii de la MARCHI este important să vă amintiți? Cine te-a inspirat, de la cine ai plecat?

Îmi amintesc cu uimire și recunoștință de cei doi profesori ai mei, care au dispărut acum. Când am intrat în institut, am fost imediat foarte norocos: profesorul meu în primii doi ani a fost Konstantin Vladimirovici Kudryashov. Un om cu o inimă mare și un farmec deosebit, un program strălucit - îmi amintesc cu ce invidie am urmărit cât de clare, pline de viață de schițe magistrale au ieșit de sub mâna lui. Lărgimea naturii, se pare, a fost întruchipată în subiectele desenelor sale: vânarea câinilor, pe care îi iubea foarte mult, armele antice, caii, navele, pânzele … Aparent, preferințele arhitecturale corespundeau acestei percepții romantice, ușor nostalgice al lumii: a vorbit despre Venturi cu mare respect, Aldo Rossi. În general, postmodernismul, potrivit lui Kudryashov, era ceva bun. Nu a existat nici un negativ din partea sa și în legătură cu arhitectura stalinistă, dimpotrivă, chiar la prima lecție practică, care a avut loc în afara institutului, profitând de această ocazie, Konstantin Vladimirovici ne-a atras atenția asupra casei cu clădirile arhitectului Rybitsky, care pe Zemlyanoy Val, răspunde despre această arhitectură ca fiind de înaltă calitate și semnificativă. Poate de aceea elementele de ordine și compozițiile, al căror studiu a stat la baza programului din primul an, eu fără un gând secund mi-am făcut metoda în primele proiecte școlare din al doilea an de studiu. Kudryashov nu a intervenit în acest sens, nu s-a rupt, dar la sfârșitul celui de-al doilea an a avertizat: „Aveți pofta de arhitectură a comenzilor, încercați să vă îndepărtați de ea anul viitor”.

Avertizat că ar putea exista probleme?

Nu am spus-o direct, dar am spus-o așa. În general, din al treilea până în al cincilea an, pregătirea mea în proiectarea arhitecturală a fost destul de ciudată. În orice caz, principiul său principal - să copiezi reviste străine cu proiecte similare subiectului și apoi să reproduci ideile și tehnicile găsite în proiectul tău - mi s-a părut în mare măsură lipsit de sens. În același timp, pasiunea pentru arhitectura clasică, moștenirea anilor 1930 - 1950 sovietici, a devenit din ce în ce mai conștientă și mai profundă. Îmi amintesc cum în acest moment am venit să vorbesc cu Kudryashov și m-am plâns, spun ei, că modernul nu inspiră, la care am primit răspunsul: dacă simți că ai dreptate, trebuie să lupți „cu topoarele”.

Desigur, la început acest „pe topoare” a fost plin de note mici și de o neînțelegere absolută a profesorilor, dar ulterior, însă, s-au împăcat cu minunatele dependențe ale unui elev neglijent, lăsându-mi ocazia să mă fierb în propriul suc.

În al șaselea an a venit timpul să aleg un conducător de diplomă și apoi a existat a doua șansă norocoasă - am intrat în grupul lui Vladimir Vladimirovici Khodnev. Anul de absolvire a fost absolut fericit; abordarea formală a foștilor profesori a fost înlocuită de un fel de libertate capace de creativitate și exprimare de sine. S-a dovedit că este corect să vă îndoiți linia, dar în ce se află sufletul este valoros și important. Sensibilitatea și atenția profesorului, de care îmi amintesc cu multă recunoștință, mi-au permis să înțeleg și să învăț multe. La ieșire, diploma s-a dovedit a fi strălucitoare, aș spune șocantă, poate naivă, undeva ridicolă, dar cu adevărat a mea. Trebuie să spun că în același an au apărut Copiii lui Iofan, în care, apropo, Khodnev m-a susținut foarte mult. A fost un moment bun - am crezut în noi înșine.

Grupul „Copiii lui Iofan” a făcut o strălucire. A fost apreciat de reprezentanții tuturor direcțiilor. Cum a apărut?

Douăzeci și doi de ani este probabil un moment fericit pentru aproape toată lumea: energia frenetică a tineretului, entuziasmul fără a ține cont de bani, reputația, conexiunile. În primăvara anului 2006, ne-am întâlnit și am devenit prieteni cu Boris Kondakov. Îmi amintesc prima noastră conversație: - „Ce părere ai despre Palatul sovieticilor?” „Păcat … păcat că nu a fost construit”. Parola a determinat, deocamdată, o asemănare rară. Am început să lucrăm împreună, desigur, nu s-a vorbit despre niciun fel de comerț. Talentul artistic al lui Boris și viziunea mea arhitecturală au fost întruchipate în proiecte competitive, în obiecte de artă, iar apoi am lucrat împreună la diploma menționată mai sus, populând imaginarul Moscova din 2006 cu oameni din picturile lui Deineka și Samokhvalov. Un rol important în biografia noastră l-au avut festivalurile orașului, organizate de Ivan Ovchinnikov și Andrey Asadov. Instalațiile în aer liber Bricolaj au fost prima ocazie de a testa ideile spațiale în natură. Pentru prima dată, am participat la un eveniment numit „Orașul copilăriei”, în acest oraș am construit un obiect care seamănă cu structurile propagandistice din anii 1930 - „Standul Roșu”, în timp ce echipa a fost declarată consonantă cu tema al festivalului - „Copiii lui Iofan”.

Anii treizeci de foc și contradictorii, la care proiectul Iofan a marcat rândul, au intrat în rezonanță cu propriile experiențe de tinerețe, însetați de acțiune și schimbare. Spre deosebire de haosul și haosul Moscovei lui Luzhkov, am încercat să prezentăm o altă Moscova așa cum a fost concepută în Planul general din 1935. Câteva ore am mers în căutarea unor fragmente din acel oraș: linii roșii, direcții, complexe neterminate, rezolvându-l ca un rebus, imaginându-ne un ansamblu întreg și suplu alcătuit din arhitectură de înaltă calitate, creat de maeștri plecați, dintre care unii dintre nume au trezit uimire: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

Image

mărire

1/5 Instalare: Rezervor "Flori către căzuți". Grupul arhitectural „Copiii lui Iofan” © Stepan Lipgart
mărire

2/5 Instalare: Rezervor "Flori către căzuți". Grupul arhitectural „Copiii lui Iofan” © Stepan Lipgart
mărire

3/5 Instalare: Rezervor "Flori către căzuți". Grupul arhitectural „Copiii lui Iofan” © Stepan Lipgart
mărire

4/5 Instalare: Rezervor "Flori către căzuți". Grupul arhitectural „Copiii lui Iofan” © Stepan Lipgart
mărire

5/5 Instalare: „Sistemul aeronautic - un instrument pentru creșterea confortului recreativ al Moscovei”. Grupul arhitectural „Copiii lui Iofan” © Stepan Lipgart

Ce fel de scandal ți s-a întâmplat cu Tom Maine?

Da, de fapt, nu a existat nici un scandal, dar chiar și fără acesta, acel incident m-a influențat foarte mult. Prelegerea fondatorului grupului Morphosis, atunci, în al treilea an, a provocat o agitație imensă: aproape tot Institutul de Arhitectură din Moscova a apărut în sala albă ca zăpada Vlasov a Casei Centrale a Artiștilor. Creativitatea Maine este strălucitoare, captivantă, toate aceste volume rupte, levitante și dezintegrante nu ar putea lăsa indiferente. Atunci tot ceea ce a demonstrat mi s-a părut teribil, nu organic, lipsit de logică și, cel mai important, anti-uman. După ce mi-am ridicat curajul, am pus după prelegere o întrebare, spun ei, dar ce se întâmplă cu oamenii? Am fost impresionat că Maine nici măcar nu a înțeles la ce mă refer la început. Răspunsul său s-a referit la tehnologia de proiectare, a vorbit multe despre acest lucru în timpul prelegerii, spun ei, computerul este doar un instrument, iar oamenii, adică arhitecții, sunt creatori, autori. Nu am primit niciodată un răspuns cu privire la utilizatorii clădirilor sale. Oricum ar fi, orice formă arhitecturală modernă după acea prelegere mi s-a părut nenaturală mult timp.

Mi-a amintit de modul în care compozitorul Arvo Pärt a rupt odată cu avangarda, pentru că nu putea spune în acest limbaj ce voia să spună. Ai fost întrebat de multe ori de ce ai ales anii 1930 ca sursă de inspirație, dar totuși îți cer să explici atitudinea ta față de această arhitectură

Potrivit sentimentelor mele, la începutul secolului al XX-lea, arhitectura Imperiului Rus, în primul rând în capitală, a atins nivelul mondial și, dacă nu o comparăm cu centrele culturale de atunci - Franța, Austria-Ungaria, dar, de exemplu, cu Italia, atunci a depășit. Luați clădirile din Roma la începutul secolului, aceasta este o arhitectură solidă, bine desenată, dar totuși foarte secundară: o reproducere a Renașterii, compoziții absurde pe tema antichității sau urmând aceeași modă franceză.

Totuși, Sankt Petersburg din epoca de argint, pe vremea lui Benoit și Lidval, este centrul unor profesioniști înalți, maeștri ai arhitecturii. Să ne reamintim construcția lui Marian Peretyatkovich, Casa Wawelberg de pe Nevsky Prospekt, o lucrare strălucitoare, o sinteză virtuoasă a unui palat florentin și a Art Nouveau din nord sau opusurile emoționale ale tânărului Belogrud, pline de o energie vagă de anticipare, așteptări de șoc și schimbare.

Când au apărut aceste șocuri în 1917, majoritatea arhitecților din generația mai veche s-au alăturat construcției noii țări, iar elevii lor, o galaxie de arhitecți remarcabili care au studiat în ajunul Revoluției și în primii ani după aceasta, s-au alăturat cu un zel și mai mare: Lev Rudnev, Noah Troțki, Evgeny Levinson și mulți alții. Nu este vorba doar de Academia din Sankt Petersburg, deoarece fondatorii constructivismului din Moscova, Alexander și Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, sunt profesioniști ai vechii școli.

Indiferent cât de paradoxal ar suna, începutul anilor 1930 a îmbogățit de ceva vreme arhitectura sovietică: de câțiva ani, au coexistat atât conceptele avangardiste, cât și cele clasiciste. Maeștrii vechii școli au avut ocazia să „termine de scris” neoclasicismul început în anii 1910, pentru a-și transfera pe deplin cunoștințele și experiența către o nouă generație de arhitecți remarcabili: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Într-un cuvânt, după înțelegerea mea, arhitectura sovietică dinainte de război este un fenomen de o scară foarte semnificativă, bogat în idei și ambiții, moștenind o calitate înaltă din epocile anterioare.

mărire

1/3 Arh. M. Peretyatkovich. Casa Wawelberg pe B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart
mărire

2/3 Arh. M. Peretyatkovich. Casa Wawelberg pe B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart
mărire

3/3 Arh. E. Levinson, I. Fomin. Case pe strada Ivanovskaya din Sankt Petersburg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Deci, motivul tău pentru anii 1930 este să apelezi la calitate înaltă

Sunt fascinat de potențialul artistic al acestui timp, probabil ca una dintre formele de înaltă calitate.

Care este piesa ta preferată de arhitectură?

Există o mare tentație acum de a aminti ceva din epoca de argint de la Sankt Petersburg menționată mai sus, dar, din motive de claritate, voi numi clădirea construită în anii 1930, chiar mi-a făcut o impresie copleșitoare. Pentru expoziția internațională din 1937, printre altele, Franța a ridicat două complexe expoziționale la scară largă, aș dori să menționez unul dintre ele - Palais de Tokyo. Arhitectura palatului este apropiată atât de stilul Mussolini, cât și de modelele sovietice, în primul rând Biblioteca Lenin. Cu toate acestea, aspectul monumental auster al clădirii este în mod semnificativ înmuiat, atât prin pitorescul unei compoziții volumetrice clare, cât și prin plasticitatea senzuală a sculpturii care umple spațiile din apropierea fațadelor palatului. Cred că emoția Palais de Tokyo, complet lipsită de oficialitatea arhitecturii „totalitare”, dar chiar, după cum mi se pare, implicând un anumit grad de intimitate, se datorează faptului că palatul a fost totuși construit într-un țară a democrației burgheze.

Pentru mine, există un anumit criteriu de cea mai înaltă calitate arhitecturală: atunci când o clădire pe scară largă este atât de perfectă, integrală, armonioasă încât spațiul urban, care este influențat de arhitectura sa, este perceput ca o lume de o frumusețe nepământeană, care este semnificativ diferit chiar și de frumoasele ansambluri ale orașului înconjurător. La Sankt Petersburg, un astfel de sentiment este trezit de colonadele Catedralei Kazan, la Paris - de Palais de Tokyo. În lumea celor din urmă, triumfă proporțiile și linia, spiritul și voința, iubirea aprinsă, întipărită în piatră.

mărire

1/3 Palais de Tokyo la Expoziția Mondială de la Paris. 1937
mărire

2/3 Palais de Tokyo la Expoziția Mondială de la Paris. 1937
mărire

3/3 Palais de Tokyo din Paris. Fragment. © Stepan Lipgart

La ce concursuri și expoziții ați participat, cu ce lucrări? Care sunt premiile?

În 2017, la Moscova și apoi la Sankt Petersburg, au fost două dintre expozițiile mele personale („A șaptesprezecea utopie” și „Căutarea unui erou”), pentru care le sunt foarte recunoscătoare curatorilor lor, respectiv Alexandra Selivanova și Lyusa Malkis. Dar, cu o căldură specială, îmi amintesc de expoziția noastră cu titlul fulgerător „Înainte, spre anii 30! la Muzeul de Arhitectură, deschis în toamna anului 2008. Pregătirea ei amintește oarecum de un alt festival al orașului. Au fost foarte puțini bani, dar mulți prieteni gata să vă ajute, idei și puterea mea în cantități nelimitate. Curatorul a fost prietenul meu, criticul de artă Masha Sedova.

Și acum, timp de două luni și jumătate, ne-am stabilit într-o comunitate mică, ne-am angajat în construcția de modele, instalații de expoziție, producerea de postere și alte materiale de expoziție. Rezultatul, se pare, a fost cu adevărat luminos, în orice caz, invitatul special al expoziției, Grigory Revzin, a atras apoi atenția asupra Copiilor lui Iofan.

În ceea ce privește concursurile, aparent, datorită specificității temei lucrării noastre, nu am reușit prea mult aici, totuși, nu ne-am străduit să reușim, există câteva premii ARCHIWOOD, dar cred că acest lucru poate fi atribuit la o excepție de la regulă.

Image

mărire

1/6 Instalare „Pilonii OSVOD”, laureat al premiului ARCHIWOOD-2012 Grup arhitectural „Copiii lui Iofan”
mărire

2/6 Instalare „Pilonii OSVOD”, laureat al premiului ARCHIWOOD-2012 Grup arhitectural „Copiii lui Iofan”
mărire

3/6 Instalare „Pilonii OSVOD”, laureat al premiului ARCHIWOOD-2012 Grupul de arhitectură „Copiii lui Iofan”
mărire

4/6 Instalare „Pilonii OSVOD”, laureat al premiului ARCHIWOOD-2012 Grup arhitectural „Copiii lui Iofan”
mărire

5/6 Instalare „Pilonii OSVOD”, laureat al premiului ARCHIWOOD-2012 Grup arhitectural „Copiii lui Iofan”
mărire

6/6 Instalare „Pilonii OSVOD”, laureat al premiului ARCHIWOOD-2012 Grupul de arhitectură „Copiii lui Iofan”

Care sunt impresiile tale de a lucra în studioul lui Mihail Filippov?

După părerea mea, Mihail Anatolyevich este un artist strălucit, iar viziunea sa asupra arhitecturii presupune o calitate a realității care este inaccesibilă astăzi: socială, culturală, tehnologică. Pentru ca arhitectura lui Filippov în sunet complet să devină o parte a lumii materiale, există prea multe de schimbat în lume, pentru a ne aminti multe. Această idee mă sperie și mă dezamăgește, dar se pare că o persoană, chiar și infinit de talentată, nu o poate face. Am lucrat în Atelierul Mihail Filippov timp de un an în total, mă bucur că îl cunosc pe maestru, îi sunt recunoscător pentru munca sa.

Practică

La vârsta de 30 de ani, ați început să proiectați complexe rezidențiale mari în Sankt Petersburg. Casa „Renașterea” de pe stradă. Dybenko a fost deja parțial construit, „Petite France” pe linia a 20-a a insulei Vasilievsky este în curs de construire. Puțini oameni reușesc să primească astfel de comenzi la această vârstă. Care este secretul?

Cu câteva luni în urmă am discutat cu Aleksey Komov, iar acesta, în special, a definit această situație după cum urmează: „Există poziția ta de stăpân, una revivalistă. Există lumea voastră, în care locuiți fără a face diferența între proiectele de hârtie și cele reale, și clienții de nivel superior, prezența acestei lumi, fermitatea convingerilor artistice, simțiți și doriți să vă alăturați. Și întrucât aceasta este o lume pe scară largă, proiectele se dovedesc a fi mari: clădiri rezidențiale și fabrici, și nu case private și nu interioare."

Sună foarte tare, laudativ, pe de altă parte, este ciudat să scrii unele evenimente din viață cu o întâmplare oarbă. Îmi amintesc că, la vârsta de treizeci de ani, când am selectat materialul pentru Arch-Moscova, mi-am revizuit numeroasele imagini: hârtie, proiecte de concurs, fotografii de instalații și a existat sentimentul că s-au acumulat suficiente imagini și idei, astfel încât acestea au întrerupt cumva, a ieșit în lumea reală. Așa că s-a întâmplat curând. Desigur, cunoștințele anterioare au jucat un rol: Grigory Revzin m-a adus împreună cu Kusnirovich, Maxim Atayants, care este un exemplu profesional pentru mine și moral, a facilitat o întâlnire cu un dezvoltator din Sankt Petersburg.

Spuneți-ne despre dispozitivul și metodele atelierului Liphart Architects?

Îmi văd sarcina principală în lucrul cu o imagine arhitecturală, respectiv, totul este construit în așa fel încât să o rezolve cu eficiență maximă, dar cu o echipă minimă. Atelierul este foarte mic, cu până la cinci persoane, este angajat aproape exclusiv în proiectarea schițelor. Prefer să desenez exteriorul clădirii cu propria mea mână, de la prima linie de creion până la ultimul centimetru al modelului computerizat final al fațadei. Restul lucrărilor le deleg colegilor mei. Proiectul și documentația de lucru sunt dezvoltate de designeri externi, participăm la proces ca parte a supravegherii proiectantului.

Prima casă din Sankt Petersburg,

Complex rezidențial „Renașterea”, am pictat conform schemelor date. Desigur, proiectanții le-au schimbat și le-au ajustat în proces, deciziile mele au fost, de asemenea, transformate, dar, în cele din urmă, trebuie remarcat faptul că implementarea este foarte apropiată de ideea inițială. De asemenea, instalarea clientului a afectat: schimbați arhitectura în ultimul loc, construiți pe măsură ce este desenată.

mărire

1/6 Vedere din sud-est spre rotundă. Complex rezidențial „Renașterea” © Liphart Architects
mărire

2/6 Complex rezidențial renascentist Vizualizare © Liphart Architects
mărire

3/6 Complex rezidențial „Renașterea” Foto © AAG
mărire

4/6 Proiectul complexului rezidențial „Renașterea” de pe strada Dybenko, Sankt Petersburg, din 2015Grafică pe computer În construcție Client: investiție și construcție holding AAG © Stepan Lipgart
mărire

5/6 Vedere din sud-est, iluminare de seară. Complex rezidențial „Renaștere” Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Amabilitatea Liphart Architects
mărire

6/6 Vedere fațadă nord, iluminat de seară. Complex rezidențial „Renaștere” Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Amabilitatea Liphart Architects

În cazul așa-numitei „Mici Franțe” - prima noastră casă din centrul istoric al orașului - am avut mai multă libertate de manevră: s-au stabilit volumul și numărul de etaje, o serie de idei generale cu formate de apartament, totul altfel s-a decis pe baza aspectului extern pe care îl inventasem. Proiectarea acestui obiect a coincis cu mutarea mea la Sankt Petersburg, așa că a fost desenată cu mare sentiment, cu un fel de fervoare neofită, lucrările lui Lidval și Klenze, pe care le-am descoperit cu adevărat pentru mine atunci, au avut o mare influență asupra sa arhitectură.

mărire

1/7 RC „Little France”. A 20-a linie a insulei Vasilievsky. Sankt Petersburg © Liphart Architects
mărire

2/7 RC „Mica Franță”. A 20-a linie a insulei Vasilievsky. Sankt Petersburg © Liphart Architects
mărire

3/7 RC „Mica Franță”. A 20-a linie a insulei Vasilievsky. Sankt Petersburg © Liphart Architects
mărire

4/7 RC „Mica Franță”. A 20-a linie a insulei Vasilievsky. Sankt Petersburg © Liphart Architects
mărire

5/7 RC „Mica Franță”. A 20-a linie a insulei Vasilievsky. Sankt Petersburg © Liphart Architects
mărire

6/7 RC „Mica Franță”. A 20-a linie a insulei Vasilievsky. Sankt Petersburg © Liphart Architects
mărire

7/7 RC „Mica Franță”. A 20-a linie a insulei Vasilievsky. Sankt Petersburg © Liphart Architects

O serie de proiecte la Sankt Petersburg la care lucrăm în prezent într-o etapă sau alta: clădirile rezidențiale de pe strada Magnitogorskaya, Malokhtinsky Prospect, pe malul râului Negru - sunt proiectate în mod similar. Casa de pe a 12-a linie a insulei Vasilievsky are o configurație foarte complexă, densă, a fost desenată timp de șase luni. Poate că cele mai multe eforturi au fost investite în acest obiect, sper cu adevărat pentru implementarea acestuia.

Mentalitatea „face la fel de desenat” pentru designeri a apărut deoarece clienții au fost aliații tăi. Simt clienții frumusețea?

Mi se pare că abilitatea de a vedea frumosul este un cadou dat tuturor de la naștere; este o altă chestiune că circumstanțele vieții, mediul, prejudecățile pot lua acest dar de la o persoană sau, în orice caz, îi pot provoca daune grave.. Uneori se pare că în Rusia de astăzi, care a suferit în ultimul secol, majoritatea au uitat cum nu numai să crească frumusețea, ci chiar să o distingă de urât. Cu atât mai minunat este întâlnirea cu ambiția de a crea estetica. În opinia mea, atât Alexander Zavyalov, proprietarul companiei de dezvoltatori din Sankt Petersburg, cât și Mihail Kusnirovici au o astfel de ambiție.

mărire

1/7 Vedere a clădirilor de amenajare administrativă și de producție din sud-vest. Fabrica de confecții „Manufactura Bosco” Foto © Ilya Ivanov / furnizat de Stepan Lipgart
mărire

2/7 Vedere a clădirii administrative din sud-est. Fabrica de confecții „Manufactura Bosco” Foto © Ilya Ivanov / furnizat de Stepan Lipgart
mărire

3/7 Scara frontală, fragment. Fabrica de confecții „Manufactura Bosco” Foto © Ilya Ivanov / furnizat de Stepan Lipgart
mărire

4/7 Fragment al fațadei vestice a clădirii administrative. Fabrica de confecții „Manufactura Bosco” Foto © Ilya Ivanov / furnizat de Stepan Lipgart
mărire

Sala 5/7 de la etajul 1 cu grădina de iarnă_fragment. Fabrica de confecții „Manufactura Bosco” Foto © Ilya Ivanov / furnizat de Stepan Lipgart
mărire

6/7 Vedere generală a punctului de oprire din sud. Fabrica de confecții „Manufactura Bosco” Foto © Ilya Ivanov / furnizat de Stepan Lipgart
mărire

7/7 Fațada sudică a clădirii administrative și de amenajare, fragment. Fabrica de confecții „Manufactura Bosco” Foto © Ilya Ivanov / furnizat de Stepan Lipgart

Mai mult, desigur, preferințele gustului clientului încep să joace un rol, schimbându-se, trebuie să spun, de-a lungul timpului de la coincidența completă cu a mea până la neînțelegerea completă. În primele proiecte cu Zavyalov, de exemplu, ordinea, arhitectura clasică a fost acceptată cu bang și am vorbit aceeași limbă, dar acum sarcina este pusă din ce în ce mai mult în conformitate cu principiul familiar din anii institutului: „Fă-mă ca in aceasta poza. Aici apare întrebarea involuntar, în ce măsură sunt pregătit pentru un compromis. În general, există o oarecare dezamăgire în profesie după primii ani de muncă practică. Până acum, ceea ce este cu adevărat important și valoros a fost câștigat în proiecte de hârtie, nu în implementare.

Proiecte de hârtie

În urmă cu mai bine de doi ani, într-un comentariu la archi.ru, am menționat că principalul subiect care mă interesează este contradicțiile nerezolvate inerente culturii și istoriei rusești, care s-au manifestat în mod deosebit în anii 1930. Coliziunea mașinii cu cea tradițională și artificială. Linia arhitecturii eroice din Petersburg, întruchipată atât în art deco-ul lui Levinson și Troțki, cât și în arhaicul sumbru al lui Belogrud și Bubyr, și chiar mai devreme în arcul Statului Major General și în monumentul lui Petru. O linie de impuls împovărată, de depășire, asociată cu natura orașului, care a fost supusă unei europenizări violente de mai multe ori.

În lucrările dvs., arhitectura și tehnologia comenzilor nu se dezmințesc reciproc, ci, dimpotrivă, se îmbogățesc reciproc: art deco și reactor, art deco și rachetă … Care proiect de hârtie îți este cel mai drag și de ce?

Seria „La reactor” este o dedicație personală, întruchipează imaginea unui reactor atomic ca o forță care încălzește această lume, dar, de asemenea, amenință să o distrugă. Această energie are o asemănare cu pasiunea umană. Stația este ca un templu, iar tema îndumnezeirii mașinii este prezentă și aici.

mărire

4/5 Proiect de îmbunătățire și reconstrucție a teritoriului parcului Neskuchny Sad. Etapa 2011-2012 Grafică computerizată Neimplementat Client: Grupul de companii Bosco © Stepan Lipgart
mărire

5/5 Proiect de îmbunătățire și reconstrucție a teritoriului parcului Neskuchny Garden. Sera 2011-2012 Grafică computerizată Neimplementat Client: Grupul de companii Bosco © Stepan Lipgart

Îmi amintesc bine cum a apărut complotul operei pe care o numesc „Arcul de Triumf”. Cu o zi înainte, am avut o conversație inspiratoare, în care interlocutorul a cerut un manifest-imagine, ideea mea de viitor. Se pare că a găsit cuvintele potrivite, imaginea s-a născut într-un minut: o rachetă îndrăzneață, gata să se desprindă în empirism, încadrată de o formă arhitecturală gigantică. Cucerirea spațiului cosmic, posibilă printr-o descoperire tehnologică și linii dinamice care sunau la unison cu această mișcare, purtând ștampila Art Deco semnificativă.

La expoziția de la Moscova au existat proiecte de vile Art Deco destul de estetice. O vilă este imaginea unei persoane private. Ce fel de persoană este aceasta, cu ce proprietăți?

Este interesant faptul că fiecare proiect este o ofertă pentru un anumit client, dar niciunul dintre ei nu a decis să-și construiască casa în astfel de forme. Mi se pare că Maxim Atayants a făcut o descriere destul de exactă, menționând că acestea nu sunt case private, ci pavilioane expoziționale pentru expunerea clientului și a vieții sale de zi cu zi. Da, poate, reprezentativitatea accentuată, monumentalitatea, solemnitatea arhitecturii nu implică intimitate, confort, curgere senină a zilelor. Imaginea acestei case îl provoacă pe locuitorul său și acesta trebuie să îi corespundă, în primul rând din punct de vedere estetic, dar nu numai. Aici ne apropiem de tema personalității excepționale, Eroul.

mărire

2/4 Proiectul vilei "Acropolis Litorinum" 2015 Grafică computerizată Regiunea Leningrad, districtul Vyborgsky Neimplementat Client privat © Stepan Lipgart
mărire

3/4 Proiectul "Vila ITR", 2011 Grafică computerizată Regiunea Moscova, districtul Cehovski Neimplementat Client privat © Stepan Lipgart
mărire

4/4 Proiect de vilă "Pavillon Lecayet", 2015Grafică computerizată regiunea Moscovei. Nu este implementat Client privat © Stepan Lipgart

Metafizică

Care este diferența dintre conceptul tău de erou și erou romantic al secolului al XIX-lea, care intră într-o luptă cu soarta și se opune mulțimii; de la supraom și demiurg al avangardei; dintr-un libertarian din secolul al XX-lea?

Îmi amintesc că am citit la Khan-Magomedov că Ivan Leonidov, creându-și „Orașul Soarelui”, nu era familiarizat cu textul lui Tommaso Campanella. Constructivismul său utopic a dat o imagine a unui viitor luminos, iar complotul Orașului Soarelui era în ton cu sentimentele sale. Merită să stabilim imediat că „conceptul meu despre erou” nu are suficientă profunzime filosofică, în spatele acestuia nu există texte lungi, cercetări, încercări de a-mi testa propriile presupuneri empiric. Principalul lucru aici este propria intuiție, experiența anumitor sentimente, exaltarea. Și cel mai reușit mod de căutare notorie a eroului este de a observa manifestarea artistică a frumuseții umane. Cel mai evident exemplu este un portret al Renașterii, exaltând, îndumnezeind natura umană. Dar și mai aproape de ideal sunt acele pânze în care lumina cerească intră în conflict cu partea întunecată a naturii umane. A fost o impresie proaspătă și puternică pentru mine să văd în direct lucrările lui Parmigianino și Bronzino, nu există o pace ușoară a armoniei renascentiste în ele, dimpotrivă, frigul pătrunzător al trăsăturilor impecabile, echilibrul fragil al apolonianului și al dionisiei, ceea ce implică răspuns, îndrăzneală, lucrarea sufletului.

În Simfonia Divină a lui Scriabin, eroul-demiurg creează o lume din nimic. Conceptul de luptă cu Dumnezeu dă naștere la o muzică foarte frumoasă, dar etic este la limită. Eroul tău - cine este?

Eroul este pasul de mijloc dintre o persoană cu slăbiciunile și viciile sale și cel mai înalt principiu. Eroul nu este unul înzestrat în mod miraculos cu abilități divine, ci care se străduiește cu puterea spiritului său, a propriului său suflet, să ajungă la cel mai înalt, ideal, atât moral, cât și în sensul frumuseții fizice.

Dar un artist este un erou în momentul în care creează ceva. Manifestarea frumuseții într-o operă este întotdeauna un miracol și o îndrăzneală. Revenind la anii 1930, atât creatorii, cât și imaginile lor sunt eroice acolo. Arhitecții au construit, iar compozitorii au scris, riscându-și viața. În 1938, Șostakovici stătea în fiecare seară în scara casei sale cu o valiză, în așteptarea arestării, deoarece prietenul său, mareșalul Tuhachevski, fusese împușcat. Șostakovici a fost urmărit tipărit de la începutul anilor 1930. Cu toate acestea, în 1937 a scris a 5-a simfonie, în care, potrivit lui Pasternak, „a spus totul și nu i s-a întâmplat nimic”. Eroul din această muzică moare în lupta împotriva unei mașini totalitare infernale

În anii treizeci, s-a făcut o încercare supremă de a suporta eroicul, demiurgicul în cea mai mare măsură - al Treilea Reich. O încercare de a schimba, de a denatura moralitatea umană universală, de a crea o nouă persoană, o nouă societate, un nou oraș. Cultul unui erou care a capturat zeci de milioane. Rezultatul este monstruos și, din punct de vedere etic, umanist, nu este supus niciunei justificări. Trebuie amintit că linia este foarte subțire aici.

Da. Pentru că mijloacele sunt monstruoase, iar mijloacele sunt cel mai important lucru. Da, a existat un scop monstruos

Sunt posibile alte mijloace? Luați cavalerism - este asociat cu violență și crimă și, în același timp, arătos, toată lumea își amintește zidurile maiestuoase ale castelelor medievale și cultul unei doamne frumoase.

Nu sunt de acord că conceptul eroic este asociat cu violența, poate cu confruntarea cu violența și cu depășirea de sine. Dacă împăcăm viața cu o dimensiune verticală, atunci vorbim despre un erou care se sacrifică pentru alți oameni

Apropo, sacrificiul a fost promovat și în societatea nazistă. Drept urmare, există deja o opinie în Germania modernă conform căreia căutarea frumuseții autoevaluabile poate fi echivalată cu nazismul.

Aceasta este o greșeală. Artistul creează o formă, este un gest dominator, într-un sens totalitar, dar arta este un domeniu în care ierarhia este benefică. Postmodernismul a încercat să deconstruiască acest gest, iar rezultatul artistic nu este foarte convingător. Epoca de Argint se echilibra în pragul artei și al construirii vieții. El a creat frumusețea, dar a rămas în domeniul artistic și nu a mers mai departe (mai exact, poeții și artiștii au experimentat tot felul de culturi obscene, așa cum știm din memoriile lui Alexander Benois, dar aceasta a fost afacerea lor privată). Lenin nu este epoca de argint

Dar artiștii adunau acei nori în ajunul dramei din 1917, chemându-i și flămând după ei. Ce sunt tunetele și fulgerele? Este ceva de necontrolat. Scriabin, în mod firesc, avea o altă idee despre apariția unui om nou, este clar că nu era un comisar cu un Mauser și nu un avion de atac brutal. Blocada de la Leningrad ca realizare a celor mai cumplite vise ale epocii de argint constă în sentimentul de supraomenire și sacrificiu, în aceste senzații reci de amurg încorporate în casele Belogrudov. Aveau deja o presimțire a unei imediate tragedii, o presimțire a arhaicului, care a apărut în imaginea lui Stalin din adâncurile cele mai întunecate. Ascuțind tema, văd imaginea eroului în operele sculptorilor Josef Torak și Arno Brecker. Îndrăzneala de acolo se înclină cu siguranță spre natura întunecată, dar este impresionantă.

La fel și îndrăzneala multor artiști libertari din secolul XX. Wright, Sullivan, Scriabin erau nietzscheni. Dar l-au înțeles pe Nietzsche într-un mod vulgar. Nietzsche, când și-a spus fraza despre moartea lui Dumnezeu, a însemnat că o persoană a încetat să se întoarcă la Rai, a încetat să mai fie capabilă de mulțumire, să-și conformeze acțiunile cu Dumnezeu. Oamenii au dirijat energia liberă rezultată pentru a-și atinge obiectivele și au realizat multe. Dar natura umană căzută s-a manifestat în toată gloria sa

Natura umană căzută se manifestă în plină creștere astăzi. Păcat că aceste afișaje nu au valoare artistică.

Da. Dar oamenii au înțeles unele lucruri. Lumea a învins fascismul, iar echilibrul este încă menținut, deși cu greu. Albert Schweitzer a spus că, după ce a inventat bomba atomică, adică devenind superputernic, omul nu a devenit superinteligent. Poate că eroul este o persoană superinteligentă. Nu în sensul prudenței, desigur, ci, dimpotrivă, în sensul nesăbuinței, a capacității de milă, de sacrificiu. Sfântul este destul de erou și supraom. Avem valori pe care nu vrem să le pierdem. Dacă vorbim despre arhitectură, un oraș istoric european este o valoare, iar arhitectura anilor 1930 este o parte organică a acestuia

Da, dar a existat și o nouă calitate în ea. Revenind la impresia mea pariziană, acea vizită a fost foarte scurtă, concentrată: în opt ore am mers de la Panteon la Trocadero, reușind să vizitez Luvrul. Marele oraș uimește prin amploarea sa, bogăția fațadelor din piatră naturală, măturarea bulevardelor, măreția palatelor uriașe și totuși, ieșind la clădirile expoziției de la Paris, nu m-am putut abține să simt o altă dimensiune, un alt grad de semnificație, o imagine a viitorului, care nu a venit niciodată, deoarece natura distructivă a omului a prevalat apoi asupra celei creative.